Miscelanea Cultural

À LÁPIS, O DESENHO HEDÔNICO - Uma crônica de Jairo de Britto -

2012-01-24T10:22:00.000-03:00

Caminho ao longo do braço esquerdo do rio que corre em meu peito,

embora um lago tranqüilo se ofereça aos meus olhos insones.

Caminho pelos dias afoitos, noites insolentes, madrugadas frias que,

ainda assim, me fazem transpirar em pleno silêncio. Leio, releio, escrevo,

reescrevo, corto, recorto, releio - até aquém chegar daquilo que pretendo

doutra forma dizer.

Sim, outras e outras e tantas formas, é o que procuro. Para que sílabas,

palavras e parágrafos não se limitem às estreitas fronteiras da comum

escritura. Para invadir seus grandes olhos com todos os sons e cio de cada

caro fonema.

“Escrever (não é só, como já foi dito), uma forma de falar sem ser interrompido”.

Escrever é para Viver, ou sobreviver, sabendo que tal forma de ser não foi

escolhida. É o Presente: estar e ser – um flagrante e sempre inédito estarrecer!

Secular amanuense, de ávidos e áridos tempos - quando, afogados em

imagens tantas, meus olhos sucumbíam, eu distraio mulheres, homens e

crianças, enquanto me entrego a lembranças d’além da infância; de outras

margens dos rios e oceanos em que naveguei.

Sem esquecer de dizer que, perdido, às margens de muitas laudas, também fiquei.

Saber que você dorme, entregue a sonhos infantes, às vezes eróticos, em

nossa cama, aguça meu olfato e paladar. Ser o homem a velar seu sono,

em porto seguro, suscita lembranças outras, de terras e tempos tão distantes.

Ainda que "nau à deriva", aqui, seja o mais plausível dizer. Ainda que ao menos

saiba permitir que a madrugada se estenda, como naquela tarde de sépia e

aquarelas. Até que a manhã, com seu hálito de aurora e seus hábitos de velha

senhora, se imponha sem mais delongas ou quaisquer pretensas cerimônias.

Sim , como naquela em que o jovem poeta, que adormeceu no gramado do

campus, e abriu os olhos. Sobre eles, outros fitos – azuis e delicados. Diamantes

apenas comparáveis à visão seguinte, quando os pousei sobre o caderno da

linda jovem, que havia deles roubado tudo, num silente exercício de juvenil Amor

Desenhado, estendendido além dos olhos: rosto afora. Quando notou-me surpreso

e maravilhado, disse-me noutra língua:

“Algo de mais maroto e lascivo há em seu rosto, mas adoro seus longos cílios.

Veja! Terminei meu trabalho anual enquanto você dormia ao meu lado. Sei

que o professor vai gostar; sei que irá para a exposição anual dos melhores...”

A Amizade não é um sentimento. É bem definida e definitiva: é o sentimento!

E tão grande e avassalador; tão aconchegante, que deve fazer inveja ao Amor.

Quando os dois se encontram, formam a mais sublime e cúmplice orquestra

a executar a carinhosa Sinfonia da Gratidão! Tudo brotado em clara selva de

piano, oboé, sax e sexo, seguido de corpos em repouso dileto.

A festa e farra dos amantes, em qualquer idade, é como a Música; como os

ritmos que embalam, acalantam e embrulham meus dias e noites.

Como um infindo e sensual lundu; como aquele atrevido Alarido Cigano - estaiado,

a sustentar enormes fogueiras com danças, canções, cores, cartas, ouro e fogo,

ao Luar Cheio, a fantasia que apascenta a soberba do mítico Dragão Chinês. Este,

que em libertina tradução Ocidental, não passa (almácio) d'um Tigre de Papel!

À LÁPIS, O DESENHO HEDÔNICO

- Jairo De Britto,

em "Verdes Crônicas"

Albert Schweitzer

2012-01-14T15:15:00.000-03:00

Aniversário de um dos grandes homens que por nosso planeta passaram...

Albert Schweitzer.

(Kaysersberg, 14 de janeiro de 1875 — Lambaréné, Gabão) 4 de setembro de 1965)

''O mundo tornou-se perigoso, porque os homens aprenderam a dominar a natureza antes de se dominarem a si mesmos.''

Albert Schweitzer

'A nossa civilização está condenada porque se desenvolveu com mais vigor materialmente do que espiritualmente. O seu equilíbrio foi destruído.'

Albert Schweitzer

''Só são verdadeiramente felizes aqueles que procuram ser úteis aos outros.''

Albert Schweitzer

''A quem me pergunta se sou pessimista ou otimista, respondo que o meu conhecimento é de pessimista, mas a minha vontade e a minha esperança são de otimista.''

Albert Schweitzer

''Quando o homem aprender a respeitar até o menor ser da criação, seja animal ou vegetal, ninguém precisará ensiná-lo a amar seus semelhantes.''

Albert Schweitzer

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Foi um teólogo, músico, filósofo e médico alemão, organista interprete de Bach, nascido na Alsácia, então parte do Império Alemão (atualmente, uma região administrativa francesa).

Formou-se em teologia e filosofia na Universidade de Strasburgo, onde, em 1901, o nomearam docente. Tornou-se também um dos melhores intérpretes de Bach e uma autoridade na construção de órgãos.

Aos trinta anos, gozava de uma posição invejável: trabalhava numa das mais notáveis universidades europeias; tinha uma grande reputação como músico e prestígio como pastor de sua Igreja. Porém, isto não era suficiente para uma alma sempre pronta ao serviço. Dirigiu sua atenção para os africanos das colônias francesas que, numa total orfandade de cuidados e assistência médica, debatiam-se na dura vida da selva.

Em 1905, iniciou o curso de medicina, e seis anos mais tarde, já formado, casou-se e decidiu partir para Lambaréné, no Gabão, onde uma missão necessitava de médicos. Ao deparar-se com a falta de recursos iniciais, improvisou um consultório num antigo galinheiro e atendeu seus pacientes enfrentando obstáculos como o clima hostil, a falta de higiene, o idioma que não entendia, a carência de remédios e instrumental insuficiente. Tratava de mais de 40 doentes por dia e paralelamente ao serviço médico, ensinava o Evangelho com uma linguagem apropriada, dando exemplos tirados da natureza sobre a necessidade de agirem em beneficio do próximo.

Com o início da I Grande Guerra, os Schweitzer foram levados para a França, como prisioneiros de guerra. Passaram praticamente todo o período da guerra confinados num campo de concentração. Nesse período, Albert escreve sobre a decadência das civilizações.

Com o final da guerra, retoma seus trabalhos e, ante a visão de um mundo desmoronado, declara: “Começaremos novamente. Devemos dirigir nosso olhar para a humanidade”.

Realiza uma série de conferências, com o único intuito de colher fundos para reconstruir sua obra na África. Torna-se muito conhecido em todos os círculos intelectuais do continente, porém, a fama não o afasta dos seus projetos e sonhos.

Após sete anos de permanência na Europa, parte novamente para Lambarené. Dessa vez acompanhado de médicos e enfermeiras dispostos a ajudá-lo. O hospital é levantado numa área mais propícia, e com o auxílio de uma equipe de profissionais, Schweitzer pode dedicar algumas horas de seu dia a escrever livros, cuja renda contribuía para manter os pavilhões hospitalares.

Extasiou o mundo com sua vida e sua obra, e em 1952, recebe o Prêmio Nobel da Paz, como humilde homenagem a um “Grande Homem”.

Sin palabras...

2012-01-13T18:41:00.001-03:00

JAMES JOYCE

2012-01-13T18:23:00.000-03:00

(Dublin, 2 de fevereiro de 1882 — Zurique, 13 de janeiro de 1941)

Não te cansaste do ardor trilhado,

Fulgor do decaído serafim?

Não lembre os dias encantados!

Teu olhar tem meu coração queimado

E tens até sua vontade enfim.

Não te cansaste do ardor trilhado?

Acima das chamas louvores elevados

Ao longo dos oceanos assim.

Não lembre os dias encantados!

Nosso rompido pranto angustiado

Sobe tal um hino – sem fim.

Não te cansaste do ardor trilhado?

Quando em sacrifícios mãos elevadas

O cálice transborda sobre mim.

Não lembre os dias encantados.

E ainda fixamente tens olhado

Com gestos lânguidos para mim!

Não te cansaste do ardor trilhado?

Não lembre os dias encantados.

James Joyce

Trad.by leonardo de magalhaens

Poem found in the novel:

'A PORTRAIT OF A ARTIST AS A YOUNG MAN'

(1904)

Are you not weary of ardent ways,

lure of the fallen seraphim?

Tell no more of enchanted days.

Your eyes have set man's heart ablaze

And you have had your will of him.

Are you not weary of ardent ways?

Above the flame the smoke of praise

Goes up from ocean rim to rim.

Tell no more of enchanted days.

Our broken cries and mournful lays

Rise in one eucharistic hymn.

Are you not weary of ardent ways?

While sacrificing hands upraise

The chalice flowing to the brim,

Tell no more of enchanted days.

And still you hold our longing gaze

With languorous look and lavish limb!

Are you not weary of ardent ways?

Tell no more of enchanted days.

James Joyce

*********

James Augustine Aloysius Joyce (Dublin, 2 de fevereiro de 1882 — Zurique, 13 de janeiro de 1941) foi um romancista, contista e poeta irlandês expatriado. É amplamente considerado um dos autores de maior relevância do século XX. Suas obras mais conhecidas são o volume de contos Dublinenses/Gente de Dublin (1914) e os romances Retrato do Artista Quando Jovem (1916), Ulisses (1922) e Finnegans Wake (1939) - o que se poderia considerar um "cânone joyceano". Também participou dos primórdios do modernismo poético em língua inglesa, sendo considerado por Ezra Pound um dos mais iminentes poetas do imagismo.

Embora Joyce tenha vivido fora de seu país natal pela maior parte da vida adulta, suas experiências irlandesas são essenciais para sua obra e fornecem-lhe toda a ambientação e muito da temática. Seu universo ficcional enraíza-se fortemente em Dublin e reflete sua vida familiar e eventos, amizades e inimizades dos tempos de escola e faculdade. Desta forma, ele é ao mesmo tempo um dos mais cosmopolitas e um dos mais particularistas dos autores modernistas de língua inglesa

Último comentário do ano, dedicado a essa grande personalidade que foi, SIMON WISENTHAL - que faria hoje 110 anos.

2011-12-31T14:14:00.000-03:00

(Buczacz, 31 de dezembro de 1908 — Viena, 20 de setembro de 2005)

"Sou dedicado ao meu trabalho pelo privilégio de estar vivo"

Simon Wisenthal

Uma das personalidades mais importantes de nosso tempo, Simon Wiesenthal dedicou sua vida a documentar com tenacidade e persistência os crimes do Holocausto e a desmascarar e entregar à justiça os criminosos de guerra ainda livres.

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Fundador do Centro Judaico de Documentação, em Viena, ajudou a capturar cerca de 1.100 criminosos de guerra nazistas, entre eles Adolf Eichmann, o carrasco que planejou o extermínio dos judeus.

Wiesenthal recebeu mais de uma centena de prêmios e condecorações, entre os quais a “Medalha Presidencial da Liberdade”, maior condecoração civil dos Estados Unidos, oferecida por Bill Clinton, em 2000; e o “World Tolerance Award”, outorgado para premiar seu compromisso com a justiça, a tolerância e a paz.

Também foi homenageado por movimentos de resistência de vários países europeus, recebeu “Medalhas da Liberdade” na Holanda e em Luxemburgo, e a Medalha de Ouro do Congresso americano. Foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra, na França, e seu trabalho em prol dos refugiados foi reconhecido pelas Nações Unidas.

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Sua vida

Simon Wiesenthal nasceu em 31 de dezembro de 1908, em Buczacz, na Galícia, então parte do Império Austro-húngaro, hoje Lvov, na Ucrânia. Recusado pelo Instituto Politécnico de sua cidade natal pelas cotas restritivas a alunos judeus, fez seus estudos na Universidade de Praga, onde se formou em Arquitetura, em 1932.

Em 1936 casou-se com Cyla. Trabalhava, então, em um escritório de arquitetura. Em 1939 a Alemanha e a União Soviética assinaram um pacto de não-agressão mútua e dividiram entre si a Polônia. O exército russo ocupava Lvov, promovendo as famosas purgas dos elementos “burgueses”: especificamente dos comerciantes, pequenos industriais e outros profissionais judeus. Seu padrasto foi preso e morreu na prisão; seu meio-irmão foi baleado; ele perdeu o trabalho e tornou-se mecânico em uma fábrica de molas para camas. Wiesenthal salvou-se e à sua família da deportação para a Sibéria subornando um comissário de polícia.

Quando em 1941 os alemães ocuparam Lvov, ele e Cyla foram enviados a um campo de trabalhos forçados, cujos prisioneiros cuidavam da manutenção da rede ferroviária. No ano seguinte, a máquina terrível do genocídio nazista estava em pleno andamento e Simon e Cyla haviam perdido 89 membros de sua família, entre eles a mãe de Simon. O tipo físico de Cyla – loira de olhos azuis – permitia que ela passasse por ariana, e Simon fez um acordo com a resistência polonesa: trocou mapas ferroviários detalhados, feitos por ele mesmo, por documentos falsos e um salva-conduto de saída do campo para a mulher, que passou a viver em Varsóvia como “Irene Kowalska”.

Ele conseguiu fugir em 1943, mas foi recapturado no ano seguinte e enviado novamente ao campo de Janovska. Com o avanço do Exército Vermelho, para evitar que fossem enviados ao front, as SS decidiram manter vivos os 34 prisioneiros que ainda restavam dos 149 mil que havia inicialmente no campo. Durante a marcha de retirada rumo ao Ocidente, que passou pelo campo de Buchenwald e terminou em Mauthausen, no norte da Áustria, pouquíssimos prisioneiros sobreviveram.

Quando, em 5 de maio 1945, o campo de Mauthausen foi libertado pelos americanos, Simon pesava menos que 50 quilos. Assim que recuperou suas forças, começou a reunir provas das atrocidades cometidas pelos nazistas para a seção dos crimes de guerra do exército americano. Além desse trabalho, dirigia o Comitê Judaico da Áustria, uma organização assistencial beneficente.

No final de 1945, Simon e Cyla se reencontraram e se reuniram novamente, após anos acreditando que o outro morrera. Um ano depois, nasceu sua filha Pauline.

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Pesquisa: Site Morashá.

Fotos: Internet

Morto aos 96 anos, foi sepultado em Israel, por decisão da comunidade hebraica internacional.

Fotografia de Warllen Silva

2011-12-19T15:29:00.001-03:00

Vencedor do premio' Wedding Awards 2011'

Subcategoria: vencedor(a)/fotógrafo(a):

*Emoção: Warllen Silva.

*Clique na fotografia para visualiza-la em tamanho grande.

Poema de NELLY SACHS

2011-12-15T19:42:00.001-03:00

TERRA DE ISRAEL

Não cantos de luta vos vou eu cantar

Irmãos, expostos ante as portas do mundo.

Herdeiros dos salvadores da luz, que da areia

arrancaram os raios enterrados

da eternidade.

Que nas mãos seguraram

astros cintilantes como troféus de vitória.

Não canções de luta

vos vou eu cantar

Amados,

só estancar o sangue

e as lágrimas, que gelaram nas câmaras da morte,

degelá-las.

E buscar as lembranças perdidas

que rescendem proféticas através da Terra

e dormem sobre a pedra

em que os canteiros dos sonhos enraízam

e a escada da nostalgia

que ultrapassa a Morte.

(in Poemas de Nelly Sachs, tradução de Paulo Quintela, Portugália editora, 1967 - original de Terra de Istrael / Land Israel, 1951)

Fotografando o sul de Minas Gerais - na lente de Antonio Carlos Januário, -

2011-11-30T15:18:00.000-03:00

O entardecer (Quando o sol se vai) pelo advogado, fotografo e amigo Antonio Carlos Januário, Minas Gerais - Brasil -

Henryk Szeryng

2011-11-28T19:00:00.000-03:00

Henryk Szeryng (Żelazowa Wola, 1918 - Kassel, 1988) foi um renomado violinista, pedagogo, filantropo e diplomata judeu, da Polônia, tendo-se tornado mais tarde cidadão mexicano.

Era filho de um rico industrial, e com três anos já começava a ter lições de piano de sua mãe. Com sete anos escolheu o violino como seu instrumento. Seu primeiro professor foi Maurice Frenkel. Deu seu primeiro concerto em 1933, que teve tão grande sucesso que imediatamente foi contratado para uma tournée mesmo sendo ainda um estudante. Ouvindo-o nesta ocasião, Bronislaw Huberman recomendou que se aperfeiçoasse com Carl Flesch. Mais tarde continuou seus estudos com Jacques Thibaud e Gabriel Bouillon no Conservatório de Paris, recebendo o Primeiro Prêmio em 1937, o que o inseriu definitivamente na escola francesa de violino. Também estudou composição com Nadia Boulanger, e através dela conheceu figuras importantes como Heitor Villa-Lobos, Alfred Cortot, Manuel Ponce, Igor Stravinsky e Maurice Ravel.

Na II Guerra Mundial foi alistado pelo governo polonês no exílio como oficial de ligação e intérprete, dando mais de 300 concertos para as tropas aliadas na Europa, África e América. Em 1942 encontrou-se com o premier polonês, refugiado no México, que buscava asilo para mais de 4 mil poloneses. Sensibilizado pela acolhida mexicana aos refugiados, voltou ao México em 1943, quando o governo local lhe ofereceu o posto de diretor do departamento de cordas da Universidade Nacional do México, a fim de que reorganizasse a escola mexicana de violino. Por seu trabalho cultural recebeu a cidadania mexicana em 1948, foi indicado em 1956 como Embaixador da Cultura, e em 1970 Conselheiro Musical Especial da delegação permanente do México junto à UNESCO, sendo o primeiro artista a viajar com passaporte diplomático. Dominava oito idiomas.

Foi um dos violinistas que mais deixaram gravações. Redescobriu a partitura do terceiro concerto de Paganini e foi o primeiro a registrá-lo em disco. Diversos compositores escreveram peças para ele, incluindo Manuel Ponce, Camargo Guarnieri, Xavier Montsalvatge e Julian Carrillo. Seu repertório ia de Bach até os contemporâneos. Recebeu vários prêmios por suas gravações, entre eles o Grand Prix du Disque (seis vezes), o Grammy Award, o Wiener Flötenuhr, o Prêmio Edison e o Golden Record. Entre os títulos recebidos se contam a Ordem Polonia Restituta da Polônia, o grau de Comendador da República Italiana, o de Oficial da Coroa da Bélgica e da Legião de Honra da França, o de Comandante da Ordem de Alfonso X o Sábio, da Espanha, e da Ordem de São Carlos, de Mônaco.

Seus instrumentos também eram célebres, e os doou quase todos, retendo apenas o Guarnerius Leduc e o Pierre Hel 1935, uma cópia do Guarnerius Le Roi Joseph. Possuiu o Stradivarius Hercules que pertencera a Eugene Ysaye, e depois o doou à cidade de Jerusalém para que fosse usado nos concertos da Filarmônica local; doou seu Stradivarius Villaume, uma cópia do Stradivarius Messias, ao príncipe Rainier III de Mônaco, e seu Guarnerius Sancta Theresia foi dado de presente à cidade do México, e outros instrumentos foram deixados para seus alunos.

Henryk Wieniawski

2011-11-28T18:35:00.001-03:00

BRIEF BIOGRAPHY

Henryk Wieniawski was born on 10 July 1835 in Lublin. Wieniawski owes his early introduction to the world of music to his mother, Regina, a professional pianist and the daughter of a Warsaw physician. His mother was also the driving force behind his musical training and subsequent development into a violin child prodigy. At the age of five he began violin lessons and three years later was admitted to the Paris Conservatory, overcoming the obstacles of being underaged and of foreign nationality. After completing with gold medal the accelerated course of study at the Conservatory he remained in Paris perfecting his technique under the care of professor Joseph L.Massart. It was then that he met in his mother's Paris salon of the two most famous Polish emigrees: Adam Mickiewicz (poet) and Fryderyk Chopin. Wieniawski's first, somewhat childish,compositions were written during that time (he was thirteen years old).

He returned to the Paris Conservatory and was joined by his brother Josef, where both studied composition until 1850. Wieniawski then embarked upon the unrelenting schedule of concert tours and performances which he was to continue almost throughout his life. While traveling he met Belgian violinist and composer Henri Vieuxtemps; a fellow Pole, Stanislaw Moniuszko, to whom he dedicated Allegro de Sonate op.2; Karol Lipinski, another Polish violin virtuoso and competitor of Paganini; also Robert Schumann and Anton Rubinstein.

The latter was instrumental in securing for Wieniawski a three year contract as the soloist of the court and court theaters in St. Petesburg. Wieniawski's arrangement in St Petersburg was later extended three more times (each time on terms more favorable to the artist) so that he resided there with his family from 1860 until 1872. While fulfilling the terms of his contract he also became involved as a teacher in the Russian Music Society run by his friend Anton Rubinstein and directed a newly founded string quartet. Through these various means he exerted a lasting influence on the development of the Russian violin school. The terms of the contract allowed Wieniawski extensive travel time during the spring and summer when he continued touring Europe on a busy schedule of concerts and social appearances.

In 1872, after his last contract in St. Petersburg had run its course, he resumed the life of the traveling virtuoso with a two-year tour of North America. Upon his return in 1875 he accepted a position of the professor of violin at the Brussels Conservatory but still maintained an extensive calendar of traveling and perfoming engagements. Since his North American tour, which exhausted him, his health continued to deteriorate. He died of an aggravated heart condition on 31 March 1880, in Moscow, in the midst of yet another concert tour. He was forty five at the time of his death.

During his life time he was unquestionably considered "a violinist of genius," an artist of great individuality, intensity of expression, and original technique. The influence of his technique is still evident in the style of some violinists of the Russian School.

The comparatively modest body of compositional work which he left behind attests to the demands of the life of the traveling virtuoso. Compositional forms favored by Wieniawski are consistent with the trends of his times. He composed variations, fantasies, capriccios, larger forms, such as concertos, and smaller lyrical forms (also called pieces de salon) - elegies, reveries, miniatures . In most of his early compositions, including the violin Concerto in F-sharp minor (1853), he put emphasis on technical difficulty and virtuoso effects. They were performance pieces which he composed with himself as a performer in mind. His work from these early years is said to exhibit the various influences of Paganini, Ernst and Vieuxtemps.

Wieniawski's grueling travel and concert schedule obviously interfered with his work as a composer. The relatively stable period of his residence in St. Petersburg (1860-1872) yielded the finest of his compositional works: Etudes-caprices op.18, Polonaise Brillante op.21, and the Second Violin Concerto in D-minor. The latter, a small masterpiece, has become a standard in the violin repertoire. While demonstrating the virtuoso possibilities of the violin technique,the composition is also characterized by Romantic lyricism and passionate melodic expression.

Wieniawski's interest in creating a "national" style of Polish music is evident in the mazurkas and polonaises he continued to compose throughout his career. In those works the influence of Chopin and Wieniawski's own genius produced a singular combination of noble simplicity of melodic line and mature, artistic sophistication. This great virtuoso-composer remains well respected today; in Poland his name is honored by International.

Shana Tova 5772

2011-09-28T19:01:00.000-03:00

Um sorriso se faz

olha lá os passos de luz vindo

te abraçar feito azul,

na tua estrada,

tua história,

tua memória,

teu coração.

Bem Vindo

doce abraço

aromas de mel

e maçã.

e o que passou deixa ir

feliz ou não.

Vai nascer um big bang

momento virgem

sair do mar

o sol

a vida

o alimento,

na alma

uma estrela

brilhando

ano novo

chegando.

Aharon

מל

חיוך גורם

נראה במורד המדרגות של אור מגיע

אני מחבק אותך כמו האור,

הדרך שלך,

הסיפור שלך,

הזיכרון שלך,

הלב שלך.

רצוי

מתוקה חיבוק

ארומות של דבש

וגם תפוח.

ומה להרפות עכשיו

מאושר או לא.

ייוולד המפץ הגדול

בתולה רגע

מן הים

השמש

חיים

אוכל,

נשמה

כוכב

מבריק

ראש השנה

הקרובים.

אהרון

De: Nelson Aharon Bibow

Temple Emanu-El

2011-09-26T18:50:00.000-03:00

Em minha breve estadia por Miami Beach, tive a grande satisfação de encontrar esse belíssimo templo judaico, o qual deixo-lhes um pouco de sua história.

In my brief stay in Miami Beach, I was delighted to find this beautiful Jewish temple, which I leave a little of its history.

Temple Emanu-El is a historic synagogue located in the South Beach district of Miami Beach, Florida. It is the oldest and largest Conservative congregation in Miami Beach. The original sanctuary was constructed in 1947 as the "Miami Beach Jewish Center" at a cost of $1 million, with additions for classrooms and a grand ballroom being added in 1966.

It is considered to be one of America's most beautiful synagogues with an impressive Byzantine and Moorish style of architecture, featuring a rotunda building and aluminum dome more than ten stories tall. It is roughly modeled after the Great Synagogue of Oran. The Abraham Frost Sanctuary is capable of holding 1,370 people at maximum capacity, thus making it the fifth largest synagogue in the United States by fixed seating capacity. As of 2011, the senior rabbi is DanielSherbill.

Leonard Cohen

2011-08-03T18:53:00.001-03:00

Leonard Norman Cohen (Montreal, 21 de setembro de 1934)

é um cantor, compositor, poeta e escritor canadense.

Embora seja mais conhecido por suas canções, que alcançaram notoriedade tanto em sua voz quanto na de outros intérpretes, Cohen passou a se dedicar à música apenas depois dos 30 anos, já consagrado como autor de romances e livros de poesia.

Leonard Cohen nasceu em Montreal, província de Quebec, Canadá, de uma família judia de origem polonesa (polaca). A sua infância foi marcada pela morte de seu pai quando Cohen tinha apenas 9 anos, fato que seria determinante para o desenvolvimento de uma depressão que o acompanharia durante boa parte da vida.

Aos 17 anos, ingressa na Universidade McGill e forma um trio de música country. Paralelamente, passa a escrever seus primeiros poemas, inspirado por autores como García Lorca.

Em 1956, lança seu primeiro livro de poesia, Let Us Compare Mythologies, seguido em 1961 por The Spice Box of Earth, que lhe conferiria fama internacional.

Após o sucesso do livro, Cohen decide viajar pela Europa, e acaba por fixar residência na ilha de Hidra, na Grécia, onde passa a viver junto com Marianne Jensen e seu filho, Axel.

Em 1963 lança The Favorite Game, sua primeira novela, seguida pelo livro de poemas Flowers for Hitler, em 1964, e pela sua segunda novela, Beautiful Losers, em 1966.

Em 2011 foi o vencedor do Prémio Príncipe das Astúrias das Letras.

Já estabelecido como escritor, Cohen decide se tornar compositor. Para isso, muda-se para os Estados Unidos, onde conhece a cantora Judy Collins, que grava duas de suas composições ("Suzanne" e "Dress Rehearsal Rag") em seu disco In My Life, de 1966.

No ano seguinte, Cohen participa do Newport Folk Festival, onde chama a atenção do produtor John Hammond, o mesmo que antes havia descoberto, dentre outros, Billie Holiday e Bob Dylan. Songs of Leonard Cohen, seu primeiro disco, é lançado no final do ano, sendo bem recebido por público e crítica.

Seu próximo disco, Songs from a Room, seria produzido por Bob Johnston, produtor dos principais trabalhos de Dylan nos anos 60. Embora não tão bem recebido quanto o anterior, contém a canção "Bird on the Wire", que o próprio Cohen disse ser a sua favorita dentre as suas composições. Em 1971, lança Songs of Love and Hate, um disco mais sombrio que os anteriores. No mesmo ano, o diretor Robert Altman, em seu filme McCabe & Mrs. Miller, utiliza três canções de Cohen: "Sisters of Mercy", "Winter Lady" e "The Stranger Song", todas do primeiro disco do cantor.

Um novo livro de poemas, The Energy of Slaves, é lançado em 1972 e, no ano seguinte, o disco ao vivo Live Songs.

Também em 1973, por ocasião da Guerra do Yom Kipur, Cohen faz uma série de shows gratuitos para soldados israelenses. Baseada no poema "Unetaneh Tokef " da tradição judaica, surgiria a canção "Who by Fire", incluída no álbum New Skin for the Old Ceremony, a ser lançado no ano seguinte.

Após o disco de 1974, Cohen decide se afastar do mundo da música, resultado não só de uma confessa falta de inspiração, mas também de sua insatisfação com as exigências do mercado.

Seu retorno se daria em 1977 com Death of a Ladies' Man, produzido por Phil Spector, que foi também o co-autor de quase todo o repertório do disco. O álbum foi marcado por atritos após as gravações, quando Spector se trancou em seu estúdio para o processo de mixagem, não permitindo que nem mesmo Cohen interferisse no resultado final. Por conta disso é até hoje notória a insatisfação do cantor com o disco, o qual classifica como sendo o mais fraco de todos. Em 1978, numa alusão ao álbum do ano anterior, seria a vez do lançamento do livro Death of a Lady's Man.

Em 1979 reaproxima-se do estilo dos seus primeiros trabalhos com Recent Songs, cuja turnê foi registrada no disco Field Commander Cohen: Tour of 1979, lançado apenas em 2001. Entre os integrantes de sua banda de apoio encontravam-se Sharon Robinson, co-autora de várias canções de Cohen a partir da década de 80, e Jennifer Warnes.

Após a turnê, seguiu-se mais um período de reclusão, no qual dedicou-se à escrita e ao estudo do budismo. Só voltaria a lançar novos trabalhos em 1984, com o disco Various Positions e o livro de poemas Book of Mercy. Embora a essa altura sua popularidade nos Estados Unidos estivesse em baixa, sua música ainda fazia grande sucesso em alguns países da Europa como França e Noruega.

Em 1988, retorna com o álbum I'm Your Man, aclamado por crítica e público. Parte dessa boa recepção deve ser creditada a Famous Blue Raincoat – The Songs of Leonard Cohen, disco tributo lançado por Jennifer Warnes um ano antes, que apresentou as canções do canadense a toda uma nova geração de fãs.

Paralelamente, muitos dos jovens músicos ligados ao folk e ao indie-rock da época diziam-se influenciados pelo trabalho do cantor. Parte desses músicos seria responsável pelo disco-tributo I'm Your Fan, lançado em 1991. Dentre estes, destacavam-se R.E.M., Ian McCulloch (vocalista do Echo & the Bunnymen) e Nick Cave and the Bad Seeds.

No ano seguinte lançaria The Future e, em 1994, Cohen Live, contendo registros de apresentações ao vivo entre os anos de 1988 e 1993.

Em 1994, consolidando a sua aproximação com o budismo, Cohen passa a viver no mosteiro de Mount Baldy Zen Center, próximo de Los Angeles. Em 1996, seria ordenado monge zen, e ganharia o nome Dharma de Jikan ("silencioso").

Nesse meio-tempo é lançado, em 1995, um outro disco-tributo, Tower of Songs, dessa vez com nomes mais conhecidos, como Elton John, Bono e Willie Nelson.

No mesmo ano é lançado o livro Dance Me to the End of Love, onde poesias suas são mescladas com pinturas do francês Henri Matisse.

Sua experiência no mosteiro iria até o ano de 1999, quando voltaria a morar em Los Angeles. Apesar disso, Cohen ainda se considera judeu, ressaltando que não procura "por uma nova religião".

Em 2001, lança Ten New Songs, seu primeiro disco de inéditas em sete anos, feito em parceria com Sharon Robinson. Em 2004 seria a vez de Dear Heather.

Em maio de 2006 é lançado o disco Blue Alert da cantora Anjani Thomas, sua namorada e ex-vocalista de sua banda de apoio. Cohen foi o produtor e co-autor de todas as faixas do disco.

Menos de um mês depois é lançado o aclamado documentário Leonard Cohen: I'm Your Man, onde relatos do cantor são intercalados com versões de suas músicas interpretadas por artistas como Rufus Wainwright e Nick Cave. No fim da película o próprio Cohen interpreta, junto ao U2, a música "Tower of Song".

ÀS DUAS, EM PONTO, uma crônica de Jairo De Britto

2011-07-17T18:41:00.002-03:00

Perguntado sobre qual seria, na sua opinião, o melhor livro, um grande escritor inglês

(conservador e de primeira linha), respondeu rápido: o Dicionário. E explicou:

"Nele estão contidos todos os livros do mundo"!

As chamadas frases de efeito, como as orações que não partem direto do coração

do crente, provocam sempre surpresa. Ou alguma reflexão sobre sua dubiedade,

quando atingem os ouvidos de alguns ou muitos homens.

Elas sempre trazem consigo suas próprias antíteses, a despeito de quão sábios, ou apenas bem humorados, sejam seus autores.

No que tange às orações 'cerebrais', acho que despertam em Deus apenas Sua imensa

Piedade.

Gostaria de saber que horas são. Com a mesma certeza, e a suave simplicidade, com que meu Amor sabe que “as cortinas são a roupa da casa”; com o seu mesmo sereno observar do homem (e do pai) que acompanha a progressiva iluminação da Cidade - à proporção que se aproxima o Natal.

Gostaria de recuperar, na crônica, a palavra 'Gratidão'. Substantivo que procuro aprender a aceitar e a exercitar como de “mão única”: devo sempre ser grato e nunca aguardar a mesma atitude de outrem. Simples (?) - e por tantos já bem dito!

Gostaria de saber que horas são. Com a exatidão das poucas certezas de que disponho

em mais de meio século de vida: embora necessário, e mesmo indispensável, é muito

difícil perdoar e gostar. Ou desejar o Bem àqueles que nos ofendem.

Mas, quando o fazemos, a sensação é sempre prazerosa! Ainda que indescritível em sua amplitude. Como acontece com o Amor, a Fé ou a Esperança...

São duas – a Mulher e a Menina, que se alternam ante meus olhos; que se misturam

quando se entregam; que se confundem quando dizem “Eu te amo”! Que, às vezes com

medo, porém enlevadas pela cumplicidade que o corpo e a beleza do singular alfabeto que seu amante arma e desarma, verte e inverte, perguntam-se:

Afinal, o quê ele faz? O que pretende da Vida?

São duas – a Mulher e a Menina, que ele ausculta enquanto é observado com amorosa

complacência; com enorme ternura e com quase infinitas dúvidas:

Qual é a sua profissão na Vida? Qual é a sua Profissão de Fé? À noite, em São Paulo ou Porto, ele trabalha? Ao fim e ao cabo, como ele perde ou ganha a Vida?

Neste ponto, recolhem-se e refletem sobre a inutilidade da Poesia, do Conto, da Novela, da Prosa Poética que ele, por exemplo, agora lhes oferece com as mãos limpas, fortes e francas.

Mãos tão francas quanto sua atroz e voraz autocrítica; quanto sua permanente melancolia;sua indisfarçável fome de Beleza. Aquela, que procura saciar caçando palavras, juntando frases em dunas que pairam sobre o alvoroço dos ventos e de seus cabelos negros, que anunciam fios de marfim.

São duas. Que não permitem aos outros sequer questioná-las sobre ele e seus afazeres. Quanto mais elas o observam, divisam - no raso horizonte de tantos papéis - um homem afeito a inutilidades; um homem entregue a letras fatais.

Um homem que se acredita sem qualidades e que luta com tal velocidade -- além do Fim,do Mar e da Luz –, que seus olhos o percebem apenas imóvel.Um homem que deixa, da boca, escapar somente um mantra azul – que as submete, fortalece e domina.

Gostaria de saber das horas exatas que antecedem o verão; das horas extras que precedem o coito de cada íntimo parágrafo. Mas, perdido enquanto trituro palavras afoitas, consigo apenas olhar a Cidade, ouvir seus tantos ruídos e rumores; sentir seus odores, velar suas noites de prazer e dor.

Sim, perdido enquanto mastigo palavras de uma língua estranha, driblando a sorte e a morte,caminho até a cozinha, cantarolando:

“Something on the way she loves me/Attracts me like no other lover/…”

Então, consigo ver a Mulher e a Menina zangadas - por saberem que ando a vasculhar o seu mais ousado, intenso e íntimo pensar. Mas, quando nossos lábios se aproximam; quando as aquieto em abraço, miro o relógio e, sem remorso ou desculpas, me entrego. Às duas, em ponto.

*Jairo De Britto,

em “Verdes Crônicas”

Fred Astaire

2011-06-22T12:02:00.000-03:00

- Fred Astaire nome artístico de Frederick Austerlitz (Omaha, 10 de Maio de 1899 — Los Angeles, 22 de Junho de 1987) foi um ator e dançarino estado-unidense.-
Hoje 22 de junho, fazem 24 anos de sua morte.

Antes de Fred Astaire estrear no cinema, os dançarinos apareciam nos filmes apenas "em partes": os pés, as cabeças e os torsos eram compostos na sala de edição. Astaire, por sua vez, exigia ser filmado de corpo inteiro. Para isso eram necessários longos ensaios - certa vez chegou a três meses com dez horas diárias de trabalho, com repetições feitas passo a passo e movimentos de câmara acompanhando a coreografia. Em seus filmes, Astaire conseguiu dar nova emoção a dança, fosse ela banal ou repleta de tragicidade.Sua interpretação enriquecia-se pelo que James Cagney chamava de "o toque do vagabundo". Sempre trajado a rigor, seu charme tornou-se lendário.

Fez sua primeira apresentação no palco aos cinco anos com a irmã Adele, que o acompanhava em revistas musicais nos anos 1920, em Londres. Estreou no cinema em 1915, fazendo uma pequena ponta e em 1933 apareceu ao lado de Joan Crawford em Dancing lady. Nesse mesmo ano atuou no primeiro de uma série de dez filmes ao lado de Ginger Rogers. Os dois formavam uma parceria impecável (Ele dava classe a ela, ela dava sex-appeal a ele, explicou certa vez um diretor de estúdio). Hollywood tinha razão ao lhe conferir um Oscar especial em 1949, por sua contribuição à técnica dos musicais no cinema. Ginger Rogers, claro, foi quem lhe entregou o prêmio.

Em 1933 casou-se com Phyllis Potter, que morreu em 1954 com quem teve dois filhos, Fred e Ava. Ele deixou de ser dançarino em 1968 para passar a interpretar papéis dramáticos. Fora dos estúdios não gostava de dançar e dizia que as danças de salão o entediavam. Grande fã de corrida de cavalos, voltou a se casar em 1980 com a jóquei Robbin Smith, 35 anos mais nova que ele.

O arquiteto americano Frank O. Gehry projetou um edifício em Praga, República Tcheca, em homenagem ao casal Fred & Ginger. O edifício toma a forma do casal e parece mostrá-los em plena dança.

Filmografia

Dancing Lady (1933)
Flying Down to Rio (1933) (*)
The Gay Divorcee (1934) (*)
Roberta (1935) (*)
Top Hat (1935) (*)
Follow the Fleet (1936) (*)
Swing Time (1936) (*)
Shall We Dance (1937) (*)
A Damsel in Distress (1937)
Carefree (1938) (*)
The Story of Vernon and Irene Castle (1939) (*)
Broadway Melody of 1940 (1940)
Second Chorus (1940)
You'll Never Get Rich (1941)
Holiday Inn (filme) (1942)
You Were Never Lovelier (1942)
The Sky's the Limit (1943)
Yolanda and the Thief (1945)
Ziegfeld Follies (1946)
Blue Skies (1946)
Easter Parade (1948)
The Barkleys of Broadway (1949) (*)
Three Little Words (1950)
Let's Dance (1950)
Royal Wedding (1951)
The Belle of New York (1952)
The Band Wagon (1953)
Daddy Long Legs (1955)
Funny Face (1957)
Silk Stockings (1957)
On the Beach (1959)
The Pleasure of His Company (1961)
The Notorious Landlady (1962)
Finian's Rainbow (1968)
Midas Run (1969)
Just One More Time (1974)
That's Entertainment! (1974) (narrador)
The Towering Inferno (1974)
The Lion Roars Again (1975)
That's Entertainment, Part II (1976) (narrador)
The Amazing Dobermans (1976)
The Purple Taxi (1977)
Ghost Story (1981)
George Stevens: A Filmmaker's Journey (1985) (documentário)

(*) filmes com Ginger Rogers

Pesquisas:Internet, You Tube.

Camille Saint-Saëns

2011-06-15T11:33:00.003-03:00

Camille Saint-Saëns (Paris, 9 de outubro de 1835 – Argel, 16 de dezembro de 1921)
Compositor, pianista e organista francês.
Seu pai morreu quando ele tinha apenas quatro meses de idade, e Camille foi criado pela mãe e por uma tia.

Como havia um piano na casa, aos dois anos e meio de idade o garoto já gostava de brincar com as teclas, e em pouquíssimo tempo já tocava pequenas melodias sem ter sido ensinado por ninguém. Sua mãe e sua tia lhe deram as primeiras lições de teoria musical.

Aos 7 anos de idade já escrevia pequenas peças. Recebeu lições de piano de Camille Stamaty e Alexandre Boëly, e harmonia de Pierre Maleden, e aos 10 anos já conseguia tocar algumas das peças mais difíceis de Mozart e Beethoven.

Apresentou-se em público pela primeira vez na Sala Pleyel, em Paris, a 6 de maio de 1846, sem ter completado ainda 11 anos de idade. Na ocasião, tocou o 3° concerto de Beethoven e o n° 15 de Mozart, para o qual escreveu sua própria cadência. Aos 13 anos de idade, entrou para o Conservatório de Paris, onde estudou órgão com Benoist, contraponto e fuga com Jacques Fromental Halévy.

Para auxiliar a família, tocava órgão na Igreja de St. Merry, e em 1857 obteve o cargo de organista na Igreja da Madeleine, cargo esse que ocuparia por 20 anos. Aos 25 anos já era famoso na Europa inteira como pianista e compositor, tendo escrito três sinfonias, um concerto para violino, um quinteto, peças de música sacra.

Travou amizade com Liszt, que, ao vê-lo improvisando ao órgão de Madeleine, classificou-o como "o maior organista do mundo".

Saint-Saëns conhecia música profundamente, familiarizado com as obras dos grandes compositores europeus antigos e modernos. Possuía uma vasta e sólida cultura em filosofia, ciência e literatura. Em astronomia chegou a alcançar verdadeira autoridade. Escreveu um livro de filosofia, Problèmes et Mystères, versos, uma comédia, e escreveu ele mesmo os libretos de várias de suas óperas.

Saint-Saëns gostava muito de viajar. Movido por impulsos súbitos, fazia excursões repentinas às partes mais distantes do planeta, dava-lhe prazer conhecer lugares exóticos.

Visitou a Espanha, as Canárias, o Ceilão, a Indochina, o Egito, esteve várias vezes na América. Deu concertos no Rio de Janeiro e em São Paulo em 1899, com a colaboração de Luigi Chiafarelli, uma figura de destaque no ambiente musical brasileiro. Visitou também San Francisco na Califórnia.

A morte veio colhê-lo numa cama de hotel em Argel, na Argélia, no dia 16 de dezembro de 1921. Acredito que agora chegou mesmo o meu fim, murmurou, e fechou os olhos para sempre. Já fazia tempo que este homem feliz desejava a morte secretamente.

A obra de Camille Saint-Saëns é imensa: sinfonias, concertos para piano e violino, peças para órgão, música vocal e instrumental, sacra e profana. Entre as peças mais conhecidas deste compositor, podemos citar: o Concerto para violino nº3 em si menor (op. 61), a Danse Macabre, Introdução e Rondò Capriccioso para violino e orquestra (uma peça extremamente brilhante para o violino), o Carnaval dos Animais.

Saint-Saëns compôs várias óperas, mas somente uma delas é tida pela posteridade como uma obra prima imortal: Samson et Dalila (Sansão e Dalila).

Uma amostra da riqueza de suas composições pode ser admirada nas telas de cinema: no primeiro dos filmes do porquinho Babe, o 4º e último movimento da Sinfonia nº3 "Órgào" serve de fundo para a cena do fazendeiro, que canta uma versão inglesa para a belíssima melodia, chamada "If I Had Words".

Pesquisa; Internet.

OS POMBOS MORREM DE PÉ

2011-06-07T11:11:00.002-03:00

Acaso não me tivessem chamado a atenção, eu jamais o teria notado. Era belo e se consumia na mais ampla serenidade.
De pé sobre o parapeito e suavemente encostado à parede da Academia Brasileira de Letras, o pombo da paz casava o frio de sua morte ao frio da tarde. Fria não somente por ser de julho, mas fria também e principalmente porque mais uma paz morrera nas ruas, como tantas outras que diariamente se esgotam pela indiferença dos homens.
Do baixo céu da tarde pendia um ar pesado trazendo a chuva fina que descia. Dessas frequentemente acontecidas durante o inverno no Rio, obrigando cada um a olhar para o chão e pensar nos seus problemas. 0 dia se abatia e machucava tudo - as árvores, as ruas, as pessoas. Era uma queda horizontal da tarde.
No parapeito - triste beiral sem vento - humilde como o chão, o pombo da paz era campo de aéreas gotas de chuva que mansamente Ihe pousavam nas penas sossegadas. E nos dava o exato motivo de pensar que ele lutara. De que aquela fora uma paz que suara para não deixar nunca de continuar se cumprindo.
De seus olhos imigrava um olhar gelado que perseguia o infinito e era puro como as alturas atingidas. Que alados caminhos espiavam agora os seus olhos de gelo? Teriam acaso outros telhados o seu tranquilo voejar, na intimidade serena das chaminés? Adejaria por quais lugares aquela paz, ali aos poucos se findando, de pé como uma estatua?
Os homens passavam embrulhados de espessa taciturnidade. Dirigiam-se todos de encontro à noite que os esperava quieta, escura sempre. Nos seus recessos talvez uma fuga ou alguma solução para os problemas da quotidiana angustia. A noite, os bares se enchem de nações que logo se desfazem quando os sonhos adormecem.
Morto, estranhamente em pé, continuava o pombo feito uma estátua da paz, que pela paz e sendo paz, em paz se consumia.

Ernesto Penafort

(A medida do azul. Manaus, Governo do Estado do Amazonas, 1982. Introdução de L. Ruas)

RUBEM ALVES

2011-05-18T16:33:00.005-03:00

[...]A alma é um cenário.
Por vezes, ela é como uma manhã brilhante e fresca,
inundada de alegria.
Por vezes ela é como um pôr do sol...
triste e nostálgico.

(Rubem Alves)

Rubem Alves nasceu no dia 15 de setembro de 1933, em Boa Esperança, sul de Minas Gerais, naquele tempo chamada de Dores da Boa Esperança. A cidade é conhecida pela serra imortalizada por Lamartine Babo e Francisco Alves na música "Serra da Boa Esperança".

A família mudou-se para o Rio de Janeiro, em 1945, onde, apesar de matriculado em bom colégio, sofria com a chacota de seus colegas que não perdoavam seu sotaque mineiro. Buscou refúgio na religião, pois vivia solitário, sem amigos. Teve aulas de piano, mas não teve o mesmo desempenho de seu conterrâneo, Nelson Freire. Foi bem sucedido no estudo de teologia e iniciou sua carreira dentro de sua igreja como pastor em cidade do interior de Minas.

No período de 1953 a 1957 estudou Teologia no Seminário Presbiteriano de Campinas (SP), tendo se transferido para Lavras (MG), em 1958, onde exerce as funções de pastor naquela comunidade até 1963.

Casou-se em 1959 e teve três filhos: Sérgio (1959), Marcos (1962) e Raquel (1975). Foi ela sua musa inspiradora na feitura de contos infantis.

Em 1963 foi estudar em Nova York, retornando ao Brasil no mês de maio de 1964 com o título de Mestre em Teologia pelo Union Theological Seminary. Denunciado pelas autoridades da Igreja Presbiteriana como subversivo, em 1968, foi perseguido pelo regime militar. Abandonou a igreja presbiteriana e retornou com a família para os Estados Unidos, fugindo das ameaças que recebia. Lá, torna-se Doutor em Filosofia (Ph.D.) pelo Princeton Theological Seminary.

Sua tese de doutoramento em teologia, “A Theology of Human Hope”, publicada em 1969 pela editora católica Corpus Books é, no seu entendimento, “um dos primeiros brotos daquilo que posteriormente recebeu o nome de Teoria da Libertação”.

De volta ao Brasil, por indicação do professor Paul Singer, conhecido economista, é contratado para dar aulas de Filosofia na Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Rio Claro (SP).

Em 1971, foi professor-visitante no Union Theological Seminary.

Em 1973, transferiu-se para a Universidade Estadual de Campinas – UNICAMP, como professor-adjunto na Faculdade de Educação.

No ano seguinte, 1974, ocupa o cargo de professor-titular de Filosofia no Instituto de Filosofia e Ciências Humanas (IFCH), na UNICAMP.

É nomeado professor-titular na Faculdade de Educação da UNICAMP e, em 1979, professor livre-docente no IFCH daquela universidade. Convidado pela "Nobel Fundation", profere conferência intitulada "The Quest for Peace".

Na Universidade Estadual de Campinas foi eleito representante dos professores titulares junto ao Conselho Universitário, no período de 1980 a 1985, Diretor da Assessoria de Relações Internacionais de 1985 a 1988 e Diretor da Assessoria Especial para Assuntos de Ensino de 1983 a 1985.

No início da década de 80 torna-se psicanalista pela Sociedade Paulista de Psicanálise.

Em 1988, foi professor-visitante na Universidade de Birmingham, Inglaterra. Posteriormente, a convite da "Rockefeller Fundation" fez "residência" no "Bellagio Study Center", Itália.

Na literatura e a poesia encontrou a alegria que o manteve vivo nas horas más por que passou. Admirador de Adélia Prado, Guimarães Rosa, Manoel de Barros, Octávio Paz, Saramago, Nietzsche, T. S. Eliot, Camus, Santo Agostinho, Borges e Fernando Pessoa, entre outros, tornou-se autor de inúmeros livros, é colaborador em diversos jornais e revistas com crônicas de grande sucesso, em especial entre os vestibulandos.

Afirma que é “psicanalista, embora heterodoxo”, pois nela reside o fato de que acredita que no mais profundo do inconsciente mora a beleza.

Após se aposentar tornou-se proprietário de um restaurante na cidade de Campinas, onde deu vazão a seu amor pela cozinha. No local eram também ministrados cursos sobre cinema, pintura e literatura, além de contar com um ótimo trio com música ao vivo, sempre contando com “canjas” de alunos da Faculdade de Música da UNICAMP.

O autor é membro da Academia Campinense de Letras, professor-emérito da Unicamp e cidadão-honorário de Campinas, onde recebeu a medalha Carlos Gomes de contribuição à cultura.

Bibliografia:

Crônicas

As contas de vidro e o fio de nylon, Editora Ars Poética (São Paulo)
Navegando, Editora Ars Poética (São Paulo)
Teologia do cotidiano, Editora Olho D'Água (São Paulo)
A festa de Maria, Editora Papirus (Campinas)
Cenas da vida, Editora Papirus (Campinas)
Concerto para corpo e alma, Editora Papirus (Campinas)
E aí? - Cartas aos adolescentes e a seus pais, Editora Papirus (Campinas)
O quarto do mistério, Editora Papirus (Campinas)
O retorno eterno, Editora Papirus (Campinas)
Sobre o tempo e a eterna idade, Editora Papirus (Campinas)
Tempus fugit, Editora Paulus (São Paulo)

Livros Infantis

A menina, a gaiola e a bicicleta, Editora Cia das Letrinhas (SP)
A boneca de pano, Edições Loyola (SP)
A loja de brinquedos, Edições Loyola (SP)
A menina e a pantera negra, Edições Loyola (SP)
A menina e o pássaro encantado, Edições Loyola (SP)
A pipa e a flor, Edições Loyola (SP)
A porquinha de rabo esticadinho, Edições Loyola (SP)
A toupeira que queria ver o cometa, Edições Loyola (SP)
Estórias de bichos, Edições Loyola (SP)
Lagartixas e dinossauros, Edições Loyola (SP)
O escorpião e a rã, Edições Loyola (SP)
O flautista mágico, Edições Loyola (SP)
O gambá que não sabia sorrir, Edições Loyola (SP)
O gato que gostava de cenouras, Edições Loyola (SP)
O país dos dedos gordos, Edições Loyola (SP)
A árvore e a aranha, Edições Paulus (SP)
A libélula e a tartaruga, Edições Paulus (SP)
A montanha encantada dos gansos selvagens, Edições Paulus (SP)
A operação de Lili, Edições Paulus (SP)
A planície e o abismo, Edições Paulus (SP)
A selva e o mar, Edições Paulus (SP)
A volta do pássaro encantado, Edições Paulus (SP)
Como nasceu a alegria, Edições Paulus (SP)
O medo da sementinha, Edições Paulus (SP)
Os Morangos, Edições Paulus (SP)
O passarinho engaiolado, Editora Papirus (Campinas)
Vuelve, Pájaro Encantado, Sansueta Ediciones SA (Madrid, España)

Filosofia da Ciência e da Educação

A alegria de ensinar, Editora Ars Poética (SP)
Conversas com quem gosta de ensinar, Editora Ars Poética (SP)
Estórias de quem gosta de ensinar, Editora Ars Poética (SP)
Filosofia da Ciência, Editora Ars Poética (SP)
Entre a ciência e a sapiência, Edições Loyola (SP)

Filosofia da Religião

O enigma da religião (Campinas, Papirus)
L' enigma della religione (Roma, Borla)
O que é religião? (S. Paulo, Brasiliense)
What is religion? (Maryknoll, Orbis)
Was ist religion? (Zurich, Pendo)
Protestantismo e Repressão (S. Paulo, Ática)
Protestantism and Repression (Maryknoll, Orbis)
Dogmatismo e Tolerância (S. Paulo, Paulinas)
O suspiro dos oprimidos (S. Paulo, Paulinas)

Biografias

Gandhi: A Magia dos gestos poéticos (S. Paulo/Campinas, Olho D'Água/Speculum)

Teologia

A Theology of Human Hope (Washington, Corpus Books)
Christianisme, opium ou liberation? (Paris, Éditions du Cerf)
Teologia della speranza umana (Brescia, Queriniana)
Da Esperança (Campinas, Papirus)
Tomorrow's child (New York, Harper & Row)
Hijos del manana (Salamanca, Siguime)
Il figlio dei Domani (Brescia, Queriniana)
Teologia como juego (Buenos Aires, Tierra Nueva)
Variações sobre a vida e a morte (São Paulo, Paulinas)
Creio na ressurreição do corpo (Rio de Janeiro, CEDI)
Ich glaube an die Auferstehung des Leibes (Dusseldorf, Patmos VERLAG)
I believe in the resurrection of the body (Philadelphia, Fortress Press)
Je crois en la résurrection du corps (Paris, Éditions du Cerf)
Poesia, Profecia, Magia (Rio de Janeiro, CEDI)
Der Wind blühet wo er will (Dusseldorf, Patmos)
Pai nosso (Rio de Janeiro, CEDI)
Vater Unser (Dusseldorf, Patmos)
The Poet, the Warrior, the Prophet (London, SCM Press)
Parole da Mangiari (The Poet, the Warrior, the Prophet), Edizioni Qiqajon Comunitá di Bose (Itália)

Dados extraídos de livros do autor e de sítios da Internet.

Walter Benedix Schönflies Benjamin

2011-04-21T10:36:00.005-03:00

Walter Benedix Schönflies Benjamin (Berlim,Alemanha, 15 de julho de 1892 — Portbou,Catalunha, Espanha, 27 de setembro de 1940) foi um ensaísta, crítico literário, tradutor, filósofo e sociólogo judeu alemão.

Walter Benjamin nasceu no seio de uma família judaica. Filho de Emil Benjamin e de Paula Schönflies Benjamin, comerciantes de produtos franceses. Na adolescência Benjamin, perfilhando ideais socialistas, participou no Movimento da Juventude Livre Alemã, colaborando na revista do movimento. Nesta época nota-se uma nítida influência de Nietzsche em suas leituras.

Em 1915, conhece Gerschom Gerhard Scholem de quem se torna muito próximo, quer pelo gosto comum pela arte, quer pela religião judaica que estudavam.

Em 1919 defende tese de doutorado, A Crítica de Arte no Romantismo Alemão, que foi aprovada e recomendada para publicação.

Em 1925, Benjamin constatou que a porta da vida acadêmica estava fechada para sí, tendo a sua tese de livre-docência Origem do Drama Barroco Alemão sido rejeitada pelo Departamento de Estética da Universidade de Frankfurt.

Nos últimos anos da década de 1920 o filósofo judeu interessa-se pelo marxismo, e juntamente com o seu companheiro de então, Theodor Adorno, aproxima-se da filosofia de Georg Lukács. Por esta altura e nos anos seguintes publica resenhas e traduções que lhe trariam reconhecimento como crítico literário, entre elas as séries sobre Charles Baudelaire.

Refugiou-se na Itália, de 1934 a 1935. Neste momento cresciam as tensões entre Benjamin e o Instituto para Pesquisas Sociais, associado ao que ficou conhecida como Escola de Frankfurt, da qual Benjamin foi mais um inspirador do que um membro.

Em 1940, ano da sua morte, Benjamin escreve a sua última obra, considerada por alguns como o mais importante texto revolucionário desde Marx; por outros, como um retrocesso no pensamento benjaminiano: as Teses Sobre o Conceito de História.

A sua morte, desde sempre envolta em mistério, teria ocorrido durante a tentativa de fuga através dos Pirenéus, quando, em Portbou, temendo ser entregue à Gestapo, teria cometido o suicídio.

SUAS IDÉIAS

Benjamin tinha seu ensaio “A Obra de Arte na Época de sua Reprodutibilidade Técnica” na conta de primeira grande teoria materialista da arte. O ponto central desse estudo encontra-se na análise das causas e conseqüências da destruição da “aura” que envolve as obras de arte, enquanto objetos individualizados e únicos. Com o progresso das técnicas de reprodução, sobretudo do cinema, a aura, dissolvendo-se nas várias reproduções do original, destituiria a obra de arte de seu status de raridade. Para Benjamin, a partir do momento em que a obra fica excluída da atmosfera aristocrática e religiosa, que fazem dela uma coisa para poucos e um objeto de culto, a dissolução da aura atinge dimensões sociais. Essas dimensões seriam resultantes da estreita relação existente entre as transformações técnicas da sociedade e as modificações da percepção estética. A perda da aura e as conseqüências sociais resultantes desse fato são particularmente sensíveis no cinema, no qual a reprodução de uma obra de arte carrega consigo a possibilidade de uma radical mudança qualitativa na relação das massas com a arte. Embora o cinema, diz Walter Benjamin, exija o uso de toda a personalidade viva do homem, este priva-se de sua aura. Se, no teatro, a aura de um Macbeth, por exemplo, liga-se indissoluvelmente à aura do ator que o representa, tal como essa aura é sentida pelo público, fico, o mesmo não acontece no cinema, no qual a aura dos intérpretes desaparece com a substituição do público pelo aparelho. Na medida em que o ator se torna acessório da cena, não é raro que os próprios acessórios desempenhem o papel de atores.
Benjamin considera ainda que a natureza vista pelos olhos difere da natureza vista pela câmara, e esta, ao substituir o espaço onde o homem age conscientemente por outro onde sua ação é inconsciente, possibilita a experiência do inconsciente visual, do mesmo modo que a prática psicanalítica possibilita a experiência do inconsciente instintivo. Exibindo, assim, a reciprocidade de ação entre a matéria e o homem, o cinema seria de grande valia para um pensamento materialista. Adaptado adequadamente ao proletariado que se prepararia para tomar o poder, o cinema tornar-se-ia, em conseqüência, portador de uma extraordinária esperança histórica. Em suma, a análise de Benjamin mostra que as técnicas de reprodução das obras de arte, provocando a queda da aura, promovem a liquidação do elemento tradicional da herança cultural; mas, por outro lado, esse processo contém um germe positivo, na medida em que possibilita um outro relacionamento das massas com a arte, dotando-as de um instrumento eficaz de renovação das estruturas sociais. Trata-se de uma postura otimista, que foi objeto de reflexão crítica por parte de Adorno.

Atualmente a obra de Benjamin exerce grande influência no editor e tradutor de suas obras em italiano, Giorgio Agamben, sobretudo acerca do conceito de Estado de exceção.

Associado à Escola de Frankfurt e à Teoria Crítica, foi fortemente inspirado tanto por autores marxistas, como Georg Lukács e Bertolt Brecht, como pelo místico judaico Gerschom Scholem. Conhecedor profundo da língua e cultura francesas, traduziu para alemão importantes obras como Quadros Parisienses de Charles Baudelaire e Em Busca do Tempo Perdido de Marcel Proust. O seu trabalho, combinando ideias aparentemente antagónicas do idealismo alemão, do materialismo dialético e do misticismo judaico, constitui um contributo original para a teoria estética. Entre as suas obras mais conhecidas, contam-se A Obra de Arte na Era da Sua Reprodutibilidade Técnica (1936), Teses Sobre o Conceito de História (1940) e a monumental e inacabada Paris, Capital do século XIX, enquanto A Tarefa do Tradutor constitui referência incontornável dos estudos literários.

Passages: The memorial to Benjamin, in Portbou, Spain.

"Se ao Mundo Predissesses teu Morrer"

Se ao mundo predissesses teu morrer
na morte a natureza ir-te-ia à frente
volvendo com mandado intransigente
no eterno esquecimento o próprio ser

O céu se rosaria docemente
por do teu corpo a roupa enfim descer
florestas tingiria o teu sofrer
de negro e a noite o mar barca silente

Luto sem nome com estrelas mede
a estela ao teu olhar no arco celeste
e a escuridão de espesso muro impede

que a luz da nova primavera preste
A estação vê nos astros que pararam
as cisternas que a morte te espelharam.

Walter Benjamin,
in "Sonetos"
Tradução de Vasco Graça Moura

Fotografias que me encantam

2011-03-26T21:24:00.006-03:00

Excerto de Pablo Neruda

2011-03-08T11:15:00.002-03:00

"Os meus pensamentos foram-se afastando de mim, mas, chegado a um caminho acolhedor, rejeito os tumultuosos pesares e detenho-me, de olhos fechados, enervado num aroma de afastamento que eu próprio fui conservando, na minha pequena luta contra a vida. Só vivi ontem.
(...)

Ontem é uma árvore de longas ramagens, e estou estendido à sua sombra, recordando.

De súbito, contemplo, surpreendido, longas caravanas de caminhantes... Com os olhos adormecidos na recordação, entoam canções e recordam. E algo me diz que mudaram para se deter, que falaram para se calar, que abriram os olhos atônitos ante a festa das estrelas para os fechar e recordar...

Estendido neste novo caminho, com os olhos ávidos florescidos de afastamento, procuro em vão interceptar o rio do tempo que tremula sobre as minhas atitudes. Mas a água que consigo recolher fica aprisionada nos tanques ocultos do meu coração em que amanhã terão de se submergir as minhas velhas mãos solitárias..."

Pablo Neruda,
de "Nasci para Nascer"

Michael Rabin

2011-02-20T20:45:00.005-03:00

Michael Rabin (May 2, 1936 – January 19, 1972) was an American virtuoso violinist of Romanian-Jewish descent.
He began to learn the violin when he was seven. His father George, a violinist in the New York Philharmonic, noticed his talent. A lesson with Jascha Heifetz was arranged and the master advised him to study with Ivan Galamian, who said he had "no weaknesses, never." His mother Jeanne was a Juilliard-trained and successful pianist. He began studies with Galamian in New York and at the Meadowmount School of Music and the Juilliard School, and went on to appear with a number of American orchestras before his Carnegie Hall debut on 29 November 1951 in the Paganini D major Concerto, with Dimitri Mitropoulos conducting the New York Philharmonic. He was aged only 15. He first appeared in London on 13 December 1954, still aged only 18, playing the Tchaikovsky Concerto in D at the Royal Albert Hall with the BBC Symphony Orchestra.

Michael Rabin recorded concertos by Mendelssohn, Glazunov, Paganini (No. 1 in D major; 2 recordings), Wieniawski (No. 1 in F-sharp minor, No. 2 in D minor), and Tchaikovsky, as well as Bruch's Scottish Fantasy and the Paganini Caprices for solo violin. He recorded the Bach Sonata in C major for solo violin and the Third and Fourth sonatas for solo violin by Eugène Ysaÿe, as well as virtuoso pieces, including an album with the Hollywood Bowl Orchestra.

Rabin played in a bel canto style. He toured widely, playing in all the major cities of the U.S., Europe, South America and Australia. He even appeared on a 1951 episode of the variety television series "Texaco Star Theatre". During a recital in Carnegie Hall, he suddenly fell forward and momentarily lost his balance, and this was the beginning of a neurological condition which was to affect his career adversely. He died prematurely at the age of 35 from a head injury sustained in a fall at his New York apartment.

He performed for many years on the "Kubelik" Guarnerius del Gesu of 1735. The master craftsman, Giuseppe Guarneri, who fashioned this violin is known as del Gesù because his labels incorporated the nomina sacra, I.H.S. (In Hoc Signo) and a Roman cross.

In January 1950 he also appeared in Carnegie Hall, as soloist with the National Orchestral Association under the direction of Leon Barzin.

Leonard Bernstein

2010-12-30T20:52:00.005-03:00

Leonard Bernstein Lawrence, 25 de Agosto de 1918 – Nova Iorque, 14 de Outubro de 1990)
foi um maestro, compositor, e pianista americano. Vencedor de vários Emmys, Bernstein foi o primeiro compositor nascido nos Estados Unidos a receber reconhecimento mundial, ficando famoso na direção da Filarmônica de Nova York, os célebres concertos para jovens na televisão (Young People's Concerts), entre 1954 e 1989, e suas composições, como West Side Story, Candide, e On the Town. Uma das figuras mais influentes na história da música clássica americana, patrocinou obras de compositores americanos e inspirador das carreiras de uma geração de novos músicos.

Bernstein nasceu Louis Bernstein em Lawrence, Massachusetts, filhos dos judeus ucranianos, Jennie e Samuel Joseph Bernstein. Sua avo materna insistiu que seu primeiro nome fosse Louis, mas seus pais preferiam chamá-lo de Leonard. Seu nome foi oficialmente mudado para Leonard quando ele completou quinze anos, pouco tempo após a morte de sua avó.

Seu pai, Sam Bernstein era um homem de negócios e dono de uma livraria em Lawrence e inicialmente era contra a idéia de seu filho seguir na carreira da música, mas Bernstein freqüentava concertos. Ainda criança, Bernstein ouviu a uma performance de piano e ficou, imediatamente, apaixonado e subseqüentemente começou a ter aulas do instrumento. Bernstein freqüentou a Escola Garrison e a Escola de Latim de Boston.
Após sua graduação na Escola de Latim de Boston em 1935, Bernstein ingressou na Universidade de Harvard, onde estudou música com Walter Piston e assossiou-se ao Club Glee de Harvard. Um de seus amigos de Harvard foi o filósofo Donald Davidson, com quem tocou uma peça de piano para quatro mãos. Bernstein escreveu e conduziu a partitura para o músical de Davidson.

Após completar seus estudos em Harvard, ele ingressou no Instituto Curtis de Música na Filadélfia, onde recebeu apenas um "A" de Fritz Reiner, em Condução. Durante esse período, Bernstein também estudou piano com Isabelle Vengerova, orquestração com Randall Thompson, contraponto com Richard Stöhr e leitura de partitura com Renée Longy Miquelle.

Durante o começo de sua carreira em Nova Iorque, Bernstein aproveitou uma exuberante vida social, que incluiu casos com homens e mulheres. Ele se casou com a atriz chilena Felicia Cohn Montealegre, no dia 10 de setembro de 1951. Com ela teve três filhos: Jamie, Alexander e Nina.Durante o seu casamento, Bernstein tentou ser discreto em relação às suas aventuras extraconjugais, mas com o passar dos anos e com o aumento da visibilidade do movimento de libertação gay, Bernstein se assumiu e deixou Felicia para viver com Tom Cothran. Pouco tempo depois, Bernstein soube que a sua ex-esposa tinha tido um diagnóstico de câncer de pulmão e voltou para acompanhá-la até a morte, em 16 de Junho de 1978.
Bernstein (1945)

Tem-se sugerido que Leonard Bernstein era bissexual - afirmação suportada nos próprios comentários de Bernstein, que dizia não ter preferências por nenhum tipo especial de cozinha, género musical ou forma sexual - e tem sido alegado que ele se debatia entre a sua devoção à família e os seus desejos sexuais, mas Arthur Laurents, amigo de Bernstein e colaborador em West Side Story, disse que Bernstein era simplesmente "um homem gay que se casou. Ele não teve conflitos sobre tudo isso. Ele era apenas gay".Shirley Rhoades Perle, outra amiga de Bernstein, afirmou que "ele desejava homens sexualmente e mulheres emocionalmente".

Bernstein foi um grande maestro, compositor e educador. Ele é, provavelmente, mais lembrado pelo público pela sua atuação como diretor musical da Filarmônica de Nova Iorque, por conduzir concertos com muitas orquestras de todo o mundo e por ter escrito a música de West Side Story. Ele escreveu três sinfonias, duas operas e cinco musicais, fora outras tantas peças.
Em 1980 Bernstein recebeu o Kennedy Center Honors.

Em 1982, ele e Ernest Fleischmann fundaram o Instituto Filarmônico de Los Angeles, onde ele serviu como Diretor Artístico por dois anos. Foi também o maestro convidado regular da Orquestra Real Concertgebouw em Amsterdã. Na década de 1980 ele gravou, entre outras, as sinfonias nºs 1, 2, 4 e 9 de Mahler com a orquestra.Em 1985 ele conduziu uma gravação completa da sua obra West Side Story pela primeira e única vez. A gravação foi muito criticada por ter no elenco cantores líricos, como Kiri te Kanawa, José Carreras e Tatiana Troyanos, entretanto, foi um best-seller.

Quatro anos depois, ele novamente conduziu seus musicais, mas com cantores da Broadway. Nesse período fez a gravação de Candide, com Jerry Hadley, June Anderson, Adolph Green e Christa Ludwig. No Natal desse mesmo ano, Bernstein conduziu a Nona Sinfonia de Beethoven em Berlim, celebrando o Natal e a queda do Muro de Berlim. O concerto foi televisionado para mais de vinte países e estima-se que mais de 100 milhões de pessoas assistiram. Nessa ocasião, Bernstein modificou o texto Hino à Alegria de Friedrich Schiller, substituíndo a palavra Freiheit (Liberdade) para Freuden (aproveitar) Bernstein na introdução ao concerto disse que "tomou a liberdade" de fazer isso e que tinha "certeza de que Beethoven está nos abençoando".

Sua última apresentação pública foi em Tanglewood, dia 19 de agosto de 1990 com a Orquestra Sinfônica de Boston, numa performance de "Four Sea Interludes" de Benjamin Britten e da Sétima Sinfonia de Beethoven Sofreu um acesso de tosse no meio de uma performance de Beethoven que quase interrompeu o concerto, que foi lançado posteriormente em CD pela Deutsche Grammophon.

Bernstein morreu de pneumonia e um turmor pleural apenas cinco dias depois de se aposentar. Bernstein fumou muito por um longo período de tempo, e por teve enfisema desde a metade da década de 1950.
No dia da procissão do seu funeral pelas ruas de Manhattan, pessoas que trabalhavam nas obras ao redor tiravam seus chapéus e capacetes e disseram "Adeus Lenny". Bernstein está enterrado no Cemitério Green-Wood, Brooklyn, Nova Iorque.

DURANTE, O CAMINHAR*

2010-12-23T09:16:00.003-03:00

Todas as coisas já foram ditas.
Mas como ninguém escuta,
É preciso recomeçar.
(André Gide)

Mar, areia, espuma e sal: sonhos que namoram pesadelos, povoam minhas noites de fogo e ferro.

No sagrado esquecer dos meus sonhos, escondo de mim todo o sofrer - enquanto sorrio lamúrias inúteis. Trago, no peito e nos pés, no sangue e por entre ossos, a certeza de tantas incapacidades:

Como lidar com o amanhecer; com os mais afoitos raios do sol da manhã?

Como atender às pequenas ou grandes demandas do amor?

Como tudo falar, quando somente escrever me faz caber no espaço solerte que me separa do outro?

Como avançar com palavras, mãos cheias de pérolas cativas? Qual Bandeirante com batéia de esmeraldas a saltarem como pequenos bagres, piáus, lambaris e traíras - em pescarias de peneira - naquele longínquo rio do curto período de infância no campo?

Como afiançar o número e nome, de todas as exatas cores do arco-íris, apreendidas em estranho dialeto africano que desconheço? Como dizer à amante o quanto lhe quero, se na garganta tantas palavras ainda não recupero?

Chorei ao nascer e, tendo a morte como diária e fiel companheira, não hei de mais chorar ao morrer. Mas, sei quão longo é o caminho de uma à outra ponta.

Neste "durante", cultivo o necessário esmero na busca das melhores palavras; dos mais afoitos e aflitos sons que habitam o infinito - além do mar; do lago mais próximo e do terrível horizonte além.

A felicidade não tem fonte, frente ou dono: cabe-lhe apenas o ônus de a tantos homens iludir.

Quando adormeço, me despeço da vida e me entrego, solene, a outras vidas. É quando visito parentes que mal conheço; quando alivio as dores que me importunam, quando mergulho no emaranhado mundo dos outros.

É quando, escravo das luzes, me vejo adiante das trevas - livre e leve: capaz de caminhar sobre a terra; nadar em profundos oceanos e mares, em riachos e maiores rios de tantas eras proibidas.

Acordo para lembrar um tão pouco do que vivi: um grão das tantas terras que vi, uma folha rota das imensas florestas em que me perdi. Tudo, apenas reflexos dos raios de sóis diversos, dispersos nas

praias da frágil memória (nano)atômica...

*Jairo De Britto
Ilha de Vitória - ES - Brasil
(07.Janeiro.2010)

Gidon Kremer

2010-12-16T19:29:00.003-03:00

Entre os principais violinistas internacionais, Gidon Kremer desenvolveu uma das carreiras certamente menos convencionais. Nascido em Riga,(27/02/1947) na Letónia, começou os seus estudos aos quatro anos de idade com o seu pai e o seu avô, ambos exímios executantes de instrumentos de cordas. Aos sete anos iniciou a sua aprendizagem formal, ingressando na Escola de Música de Riga. Aos dezasseis anos foi-lhe atribuído o Primeiro Prémio da República da Letónia e dois anos mais tarde começou a estudar com David Oistrach no Conservatório de Moscovo. Em 1967 ganhou o Concurso Queen Elizabeth, seguindo-se Primeiros Prémios nos Concursos Internacionais Paganini e Tchaikovsky.

Estes sucessos lançaram a distinta carreira de Gidon Kremer, estabelecendo a sua reputação mundial como uma dos mais originais e completos artistas da sua geração. Apresentou-se em todos os grandes palcos mundiais de concertos, com as mais prestigiadas orquestras da Europa e da América. Colaborou com os mais destacados maestros, incluindo Leonard Bernstein, Herbert von Karajan, Christoph Eschenbach, Nikolaus Harnoncourt, Lorin Maazel, Riccardo Muti, Zubin Mehta, James Levine, Valery Gergiev, Claudio Abbado e Sir Neville Marriner, entre outros.

O repertório de Gidon Kremer é invulgarmente extenso, englobando todas as principais obras para violino dos períodos clássico e romântico, bem como a música de compositores do século XX, como Alfred Schnittke, Arvo Pärt, Giya Kancheli, Sofia Gubaidulina, Valentin Silvestrov, Luigi Nono, Aribert Reimann, Peteris Vasks, John Adams e Astor Piazzolla.

O catálogo discográfico de Gidon Kremer é extremamente extenso, contendo mais de 100 álbuns, muitos dos quais receberam importantes prémios internacionais em reconhecimento pelos seus excepcionais dotes interpretativos; entre eles contam-se os prestigiantes Grand Prix du Disque, Deutsche Schallplattenpreis, Ernst-von-Siemens Musikpreis, Bundesverdienstkreuz, Premio dell'Accademia Musicale Ghigiana, Triumph Prize 2000 (Moscovo) e, em 2001, o Prémio da UNESCO. Em Fevereiro de 2002, Gidon Kremer e a Kremerata Baltica receberam um Grammy pela disco intitulado After Mozart (Nonsuch), na categoria ''Best small Ensemble Performance''.

Em 1981, Gidon Kremer fundou em Lockenhaus, na Áustria, um festival de música de câmara que tem lugar todos os verões. Durante dois anos, 1997-98, assumiu a liderança artística do Festival de Gstaad, sucedendo a Sir Yehudi Menuhin, o seu fundador. Em 1997 fundou a orquestra de câmara Kremerata Baltica que reúne jovens músicos de talento dos três Estados Bálticos. Desde então, Gidon Kremer tem realizado frequentes digressões com esta orquestra, apresentando-se nas principais salas de concertos e festivais internacionais. Gravou também vários CDs com a Kremerata Baltica, para as etiquetas Teldec e Nonesuch, tendo o primeiro sido dedicado à música de Peteris Vasks e Astor Piazzolla. A partir de 2002, Gidon Kremer é o Director Artístico de um novo festival em Basileia - ''les muséiques''.

Gidon Kremer toca um violino Guarnerius del Gesù ''ex-David'', datado de 1730. É também o autor de três livros, publicados em alemão, que reflectem as suas orientações artísticas.

Ivry Gitlis

2010-12-16T19:10:00.003-03:00

Ivry Gitlis (Hebrew: עברי גיטליס‎) (born Haifa, August 22, 1922- is an Israeli violinist and UNESCO Goodwill Ambassador. He has performed with the world's best orchestras (New York Philharmonic, Berlin Philharmonic, Vienna Philharmonic, Philadelphia Philharmonic, and Israel Philharmonic), and many of his recordings are considered classics.

Born in Haifa, Mandate Palestine to Russian parents, Gitlis studied violin at an early age. When violinist Bronisław Huberman first heard him play, he sent him for study at the Conservatoire de Paris, where Gitlis won a first prize at age 13. His teachers include Carl Flesch, George Enescu, and Jacques Thibaud. In 1951, Gitlis made his debut in Paris.[1]

His first recording, “Le Concerto à La mémoire d'un ange” by Alban Berg, won the Grand Prix du Disque in France.[1]

In 1968 he participated in John Lennon's Dirty Mac project on The Rolling Stones Rock and Roll Circus program.

In 1971 Bruno Maderna wrote Piece for Ivry for him.

In 1990 Gitlis was designated UNESCO Goodwill Ambassador. His stated aim is the "support of education and culture of peace and tolerance".

Ivry Gitlis is a commentator (along with Itzhak Perlman) all the way through the DVD "The Art of Violin" (2000) which showcases performances and gives biographical details of many of the great violinists of the 20th Century.

Since the end of the sixties, Gitlis has resided in Paris, France.

At various stages in his career he played on the 1737 "Chant du Cygne" Stradivarius and the "Ysaye" Guarnerius del Gesu. Ivry currently owns the "Sancy" Stradivarius of 1713.

CÚMPLICES NA ETERNA IDADE* (Uma crônica de Jairo de Britto)

2010-11-26T09:11:00.006-03:00

Hoje, Sunny Arthur me visitou! Eu o recebo com um fraterno abraço e beijos. Digo-lhe sempre que é muito bem-vindo. Ele me diz que, pela primeira vez, notou o tapete na porta de entrada do apartamento: lá, aonde leu “Bem-vindo”.

Abraço meu filho como se fosse pela última vez; como se fosse nosso último e sempre prazeroso encontro.Assim tem sido por séculos e séculos, em nossa jornada, pelos universos que visitamos, ambos vestidos com diferentes cascas de nós.

Sua juventude transcende seu corpo! Seus olhos, curiosos e atentos, ouvem sobre minhas pequenas descobertas e meus grandes e inúteis lamentos. Ele faz perguntas; lê um belo poema e quer saber o que acho de tudo aquilo que dele depreendeu.

Conversamos sobre o fazer poético, a Arte Literária, as pretensões tantas dos homens que se dedicam à Teoria da Literatura... Aqueles que a defendem como Ciência; que acreditam poder dissecar poemas, como se tais fossem peças anatômicas de um cadáver conservado em cubas de formol.

Conto-lhe um pouco de minhas tantas e tontas desventuras acadêmicas; das minhas aventuras oníricas; falo de passados e presságios. Ele parece me ouvir encantado. Discreto, mira meus movimentos, acompanha meus passos; observa minha postura e atitudes.

Eu sinto sua Alma aproximar-se da minha - como as daqueles outros viajantes, companheiros e cúmplices de tarefas e ardis quânticos.

Do comentar de simples afazeres cotidianos, saltamos para ilações metafísicas - com a naturalidade dos pássaros

que buscam abrigo, à tardinha, nas árvores de parques tranqüilos; daqueles que ao centro abrigam grandes lagos serenos.

Quando o acompanho até o carro, nos despedimos como se fosse mais uma última vez. Assim tem sido; assim nos buscamos e nos despedimos ao longo dos séculos.

Nossos corpos e nossas situações têm assumido posturas, estágios e estampas diversas. Mas a ternura sobrepõe-se a quase tudo. Nossas dúvidas, e ainda tão poucas certezas, têm sido dirimidas e distribuídas por anos seguidos de seres e estares vários.

Nós nos entendemos e entretemos sem que sejam necessários verbos explícitos. Pai e Filho; Filho e Pai; Inimigos e Irmãos, nos reencontramos e, de certa discreta forma, nos cumprimentamos como se fosse pela primeira ou pela última vez.

Essa convivência, que atravessa milênios; que nos veste e despe de formas diversas em situações que nunca nos são de todo estranhas, tem sobrevivido a tempestades, borrascas, e à desvairada alegria que, neste nosso mais recente encontro, quase apaga lembranças que o tempo próximo passado apenas a um de nós permite guardar.

Ele, por exemplo, não se lembra de que, ao presenteá-lo com uma filmadora, o levei para uma praia deserta e fiz com que, ao utilizar a câmera pela primeira vez, gravasse a imagem daquilo que eu havia escrito na areia banhada pelas águas do nosso favorito Oceano: “Sabedoria!”.

Ele, ainda nesse mais recente encontro, porém mais velho, talvez não se lembre que me salvou a vida: exatamente no mesmo Atlântico que me arrastava para o fundo. Em que outro estágio, da História Cósmica, teria eu salvado sua vida?

Como em outros universos, neste conversamos sobre coisas e causos; trocamos impressões... Falamos, sem rancor,das pessoas que não gostam de nós e, com singular prazer, daquelas que nos amam.

Quando pela primeira vez conversei com ele, neste universo, ele ainda não havia nascido. Então, falamos numa língua (Inglês) que não era aquela que lhe esperava ao nascer. O relato desta minha onírica experiência o emocionou.

Noutro dia, no alto de um edifício, sentados numa ampla varanda, conversamos sobre a mais antiga diáspora que este planeta conhece: a do Povo Cigano! Depois, falamos dos Celtas, do seu alfabeto, do Novo Testamento e das tantas metáforas do Velho.

Um ao outro (ou uns aos outros), temos tanto a contar que uma única Vida não basta. O Tempo na Terra é curto: passa como um pássaro em busca de abrigo quando surpresa lhe faz a chuva.

Às vezes me sinto seu filho; noutras me sinto avô! Se inimigos fomos noutra época, motivos havidos para tanto se diluíram na poeira dos astros. Nesse atual reencontro, há uma nova melodia que nos embala e abençoa...

Quando nos abraçamos, sabemos tudo, absolutamente tudo aquilo que ainda não conseguimos compreender nem verbalizar. Nesse abstrato universo, apenas uma sinfonia nos é permitida ouvir. Solerte e solene, ela se impõe e nos acalenta. Quando nos olhamos, compreendemos que somos cúmplices na eterna idade.

*Jairo De Britto.
Ilha de Vitória, Espírito Santo (Brasil)
- 23.Maio.2008 -

James Levine

2010-11-05T09:54:00.003-03:00

James Lawrence Levine
(Cincinnati, Ohio, 23 de junho de 1943)
é um consagrado maestro e pianista estadunidense. Atual diretor musical do Metropolitan Opera e da Orquestra Sinfônica de Boston.

Levine nasceu em Cincinnati, Ohio em uma família musical: seu avo paterno foi um cantor litúrgico em uma Sinagoga; seu pai foi um violinista e comandava uma banda; e sua mãe era uma atriz. Ele começou a tocar piano ainda pequeno.

Quando tinha apenas 10 anos fez seu primeiro concerto como solista, tocando Concerto para Piano Nº2 de Felix Mendelssohn com a Orquestra Sinfônica de Cincinnati.

Levine estudou música com Walter Levin, primeiro violinista do LaSalle Quartet. Em 1956 ele teve lições de piano com Rudolf Serkin na Escola de Música de Malboro, em Vermont. Nos anos seguintes ele começou a estudar com Rosina Lhévinne na Escola De Música Aspen.

Depis de se graduar na Escola Walnut, uma aclamada escola em Cincinnati, ele entrou para a Escola de Música Juilliard, em Nova Iorque em 1961 e teve aulas com Jean Morel. Ele se graduou em 1964 e uniou-se ao Projeto Maestros Americanos, conectado com a Orquestra Sinfônica de Baltimore.

De 1964 até 1965, Levine serviu como um aprendiz para George Szell com a Orquestra de Cleveland e serviu como maestro assistente até 1970. Nesse mesmo ano fez sua estréia como maestro com a Orquestra da Filadélfia na casa de verão no Robin Hood Dell. Fez sua estréia no mesmo ano com a Ópera Nacional Galês e a Ópera de São Francisco. Levine teve uma associação com a Orquestra Sinfônica de Chicago, onde foi Diretor Musical do Festival de Ravinia de 1973 até 1993.

Levine sua estréia no Metropolitan Opera em Junho de 1971, em uma performance do Festival de Tosca. Seu sucesso conduziu a novas aparições e para sua nomeação como Maestro Principal em 1973. Se tornou Diretor Musical em 1976. Em 1983 serviu como maestro e diretor musical para Franco Zeffirelli na adaptação de La Traviata. Ele se tornou o Primeiro Diretor Artístico em 1986[1] e renunciou em 2004.

Levine fez numerosas apresentações de obras consagradas, como por exemplo: as obras de Mozart, Verdi, Wagner, Richard Strauss, Rossini, Schoenberg, Stravinsky, Weill, Debussy, Berg e Gershwin.

Levine conduziu pela primeira vez a Orquestra Sinfônica de Boston (também conhecida pela sigla BSO) em Abril de 1972. Em Outubro de 2001, Levine foi nomeado Diretor Musical da Orquestra, efetivo entre 2004-2005, com um contrato inicial de cinco anos. É o primeiro estadunidense a conduzir essa orquestra.

A única condição que Levin negociou foi sobre a flexibilidade no tempo para os ensaios, graças a isso a orquestra tem um tempo adicional para se preparar. Desde o início do seu contrato, a orquestra criou um "Fundo de Iniciativo Artístico" de aproximadamente 100 milhões de reais, para financiar os projetos mais caros de Levine.

Levine conduz regularmente na Europa, com a Filarmônica de Viena, Filarmônica de Berlim e em festivais, como o Festival de Bayreuth, Festival de Salzburgo e o Festival de Verbier que ocorre anualmente em Julho. De 1999 até 2004 foi Maestro Chefe da Orquestra Filarmônica de Munique.

Desde 2005 Levine é o Diretor Musical do Centro Musical de Tanglewood, uma academia de verão da Orquestra Sinfônica de Boston.

Levine teve que lidar com questões de saúde nos últimos anos, incluindo a ciática e aquilo que ele chama de "tremura intermitentes". Em 1 de Março de 2006, Levine caiu no palco durante a ovação em pé após uma performance com a Orquestra Sinfônica de Boston, onde rasgou seu manguito rotador em seu ombro direito. Mais tarde foi submetido a uma cirurgia para reparar o prejuízo. Voltou ao pódio em 7 de Julho de 2006, regendo a Orquestra Sinfônica de Boston em Tanglewood. Em 2008 a orquestra anunciou a retirada da maioria dos concertos em Tanglewood graças à necessidade de cirurgia para retirar um rim com um cisto maligno. Retornou ao pódio em Boston, em 24 de Setembro de 2008.

Pesquisa;
Internet/Wikipédia/You Tube

Parabéns Agustina Bessa-Luís, 86 anos hoje.

2010-10-15T10:49:00.004-03:00

Hoje, Agustina Bessa-Luís, uma das mais consagradas escritoras portuguesa, está completando 86 anos de idade, escolhi um texto de Inês Pedrosa, para homenageá-lá.

A POESIA CARNAL DE AGUSTINA
por Inês Pedrosa

«Cada voz está só e é única e é contra o coração dos outros, vertiginosamente, que ela ressoa». Esta frase de Agustina acompanha-me todos os dias. Ilumina as tragédias dos telejornais como a tristeza quotidiana da mulher que confessa à amiga a sua decepção, numa mesa de café. As mulheres desiludem-se, ao contrário dos homens, que são ensinados a viver sem ilusões. Às mulheres, ensina-se-lhes a viver sem tudo menos isso. Por isso as mulheres são especialistas em sobrevivência: é-lhes muito difícil perder a esperança, uma nesga de esperança que seja. Há dias, um amigo dizia-me que a razão pela qual os homens mandam no mundo é o cuidado que têm em evitar conflitos directos. À primeira vista, isto parece uma qualidade – mas significa na realidade um exercício constante de desvio face às pequenas, médias e grandes iniquidades. Sublinho que foi um homem quem me explicou isto – e esta explicação responde a uma das afirmações mais repetidas acerca da obra de Agustina: a de que as mulheres têm nos seus livros uma força muito maior do que os homens. Os livros de Agustina têm a arte de ser ampliações da vida, isto é, frescos da existência pintados do ponto de vista da duração, entendida do ponto de vista do filósofo Henri Bergson – o correr do tempo uno e indivisível. Agustina consegue ver o passado à transparência do presente e antecipar o futuro, porque não se perde no microcosmos do tempo físico. Atinge o precário e o eterno para lá do teatro das aparências, sem se deixar encandear pela linearidade dos relógios. A sua leitura é, por conseguinte, uma experiência metafísica – ou poética.

Há meses, Eduardo Lourenço decidiu definir poesia através da leitura integral de uma página ao acaso de um romance de Agustina. Terminada a leitura, disse apenas: «isto é a poesia». Momento particularmente comovente porque se tratava de uma sessão em que o homenageado ( pela revista de poesia «Relâmpago») era o próprio Lourenço. Em qualquer página de Agustina encontraremos qualquer coisa que nos diz respeito e nos consola – nem que seja pelo riso, ou pela partilha do desespero. Cada voz está só e é única, sim – o mérito de Agustina começou por ser o da escuta, a que se habituou desde menina, beneficiando da liberdade concedida pela falta das expectativas dos adultos ácerca dela – havia um rapaz na casa, o seu irmão, e desse é que se esperavam as grandes coisas. Desenvolveu uma capacidade empática profunda com toda a espécie de criaturas, uma capacidade despida de preconceitos e julgamentos. Deixou-se fascinar pelas relações humanas que analisa ao microscópio, com o olhar clínico e cândido de quem está disposto a aceitar todas as surpresas que a vida traz.

Uma das injustiças que lhe foi feita foi o rótulo de «conservadora» ou mesmo «reaccionária» que criou um cerco de solidão em seu redor, prejudicando-lhe muito a merecida repercussão internacional. Algumas vozes, porém, ousaram furar este cerco, que chegou a ser feroz, antes do 25 de Abril. Uma dessas vozes lúcidas e corajosas foi a de José Saramago, que escrevia sobre Agustina, em Janeiro de 1968, na revista «Seara Nova», o seguinte: « Como é possível, resistindo e opondo-nos embora no plano das ideias e da sua prática, não ser submergido pela beleza torrencial desta escrita, que não tem igual na literatura portuguesa deste tempo? Como é possível ficar indiferente a certas bruscas iluminações que vão mais longe e mais fundo, no sentido do conhecimento de si e do outro, que todo o material de análise que comumente manuseamos? Como é possível não reconhecer e declarar que se há em Portugal um escritor onde habite o génio ( vá esta palavra, ainda que perigosa e equívoca) esse escritor é Agustina Bessa-Luís?».

Nenhum grande escritor pode ser um «conservador» ou um «revolucionário», porque o que faz um grande escritor é, antes de mais, esse dom de liberdade que não se compadece com classificações. Diz Olga Rodom, em As Fúrias (1977): «A liberdade é uma serpente que rasteja como a inveja primeiro, e depois açoita como a vingança». Sim, a liberdade açoita inexoravelmente as limitações mentais de cada época, expondo-as em carne viva. O pensamento de Agustina não se deixa pastorear, e é isso o que, muitas vezes, ainda hoje, não lhe perdoam – mesmo na hora da consagração, escamoteia-se-lhe o desassossego, a irreverência e a ultra modernidade. Agustina não é uma senhora de alento que escreve uns romances serenos sobre as gentes das margens do Douro. É, isso sim, uma prodigiosa intérprete das motivações humanas. Ninguém como ela entendeu e escreveu sobre o poder, a paixão, o desejo e os seus maravilhosos desastres. No seu último romance, A Ronda da Noite (2007), define com exactidão «os novos feudais»: «A verdade é que os novos feudais estavam a apoderar-se de regiões até aí proibitivas, mas que se mostravam preparadas para os receber. Os media, as revistas de lazer e laudatórias do grande empresário; e toda uma fileira da direita liberal, enfim verdadeiramente segura de que a hora tinha chegado.» E conclui: «Afinal a revolução não emancipara os pobres, os infelizes, só os tornara menos anónimos. Lamentavam-se como crucificados, mas faltavam os meios para os descer da cruz». Quem quiser compreender as engrenagens que movem Portugal e os portugueses, tem de ler Agustina. Está lá tudo, sobretudo o que ainda não se vê.

Não esqueço que uma das suas últimas intervenções públicas foi o apoio à lei da interrupção da gravidez. Logo no início de A Ronda da Noite, morre Patrícia Xavier, aos quarenta anos, em meados do século XX: «Não se podia imaginar que ela morrera dum aborto mal sucedido, mas foi assim. (...) Um aborto não era tão extraordinário e sobretudo depois dos quarenta anos as mulheres recorriam aos médicos para se recomporem dum acidente que, na verdade, tinham previsto mas não acautelado». O doutor Horácio soluçou de raiva sobre o corpo dela, porque Patrícia recorrera a ele «já desfeita por dentro como uma mulher de má vida às mãos de uma abortadeira vulgar, dessas que só falam dos netos lindos que têm e que respiram a virtude do matrimónio» Pobre doutor Horácio. «Tinha pena das mulheres, sempre a sangrar, sempre avariadas de dentro, carregando a cruz do sexo, maior que a de Cristo. Não perdoava que fossem tão mal feitas para o amor, com buracos a mais, sempre a desfazerem-se de medo, de sofrimento, e, no entanto, “prontas para outra”, batendo fortemente os tacões com a vitalidade das suas entranhas que até lhe saíam pelos olhos radiantes. E depois escreviam versos, as pobres coitadas! Todavia, quanto poder no sangue do seu ventre!»

Insisto em citar o seu último romance, não só porque o considero uma obra-prima, mas porque me parece que a fama de A Sibila (1954) acabou por curto-circuitar o entendimento da obra de Agustina. A figura poderosa da Sibila colou-se à autora e tornou-se um estereótipo de compreensão, preguiçoso e falso como todas as ideias-feitas. Ora se os livros iniciais de Agustina são já esplendorosos de sabedoria e notáveis pela reinvenção implosiva da língua e da arte de contar, os romances das duas ou três últimas décadas, à razão de um por ano – além dos volumes de crónicas e ensaios, igualmente importantes – levam esse esplendor a cumes nunca antes experimentados, filosofica e estilisticamente. A escrita tornou-se-lhe mais solta e clara. A própria Agustina o sentia, e dizia-me: «já não tenho que provar nada a ninguém». A intuição, a curiosidade e a experiência do mundo cresceram exponencialmente nela, ao longo do tempo.

Ninguém como ela é capaz de descrever a força erótica que rege o universo. Em A Quinta-Essência ( 1999) escreve: «O sexo é uma matéria inteligente e pode ter um efeito mortal». Contra as ideias comuns sobre a sexualidade dos homens e das mulheres, escreve: «O abismo do entendimento entre o homem e a mulher radica no facto de que para a mulher o sexo é uma verdade. Quanto ao homem, ele nunca encarou a verdade como qualquer coisa impossível de ser mudada.» E analisa: «O trabalho ocupa nas quedas eróticas um papel primordial. Em geral, quando se diz trabalho quer-se dizer falta de recursos para ser amado. Tudo gira em volta dum erotismo que não é descoberto senão quando já é demasiado tarde e as pessoas estão à beira da morte, estropiadas ou meio imbecis. E dizem que o trabalho as envelheceu e tornou num farrapo. Mas é o coração que foi batendo sem qualquer resultado; é o coração que abre sulcos na pele, cria verrugas, endurece as unhas». Em Prazer e Glória (1988) recordava: «Não há império maior do que o que se tem sobre os vícios dos outros». Em A Ronda da Noite, avisa: «A perfeição não é erótica. É o erro que é erótico e não a beleza». Os seus aforismos só formalmente são ocidentais – ou seja, vestidos de lógica e de uma coloquialidade reflectida. Interiormente, correspondem à cintilação imprevisível e amoral do haiku. Para lá deles, sobrevivem as suas inesquecíveis personagens. A que mais íntima se me tornou é Maria Pascoal, protagonista de Um Cão Que Sonha (1997), que dizia: «Nasci adulta, morrerei criança». É esse o trajecto de qualquer escritor digno desse nome, isto é: alguém que procure nas palavras o caminho doloroso da verdade, e que consiga preservar a inocência de mergulhar a fundo no seu contrário. Agustina fez isso, e muito mais. Ofereceu-nos o entendimento das múltiplas almas que cada existência comporta. E deu-nos a possibilidade da beleza, que é a coisa mais difícil, íntima, imperfeita e consoladora que existe.

(Nota: este texto foi escrito e publicado na revista comemorativa da 11º edição do encontro de escritores Correntes d'Escritas em Fevereiro de 2010 na cidade da Póvoa de Varzim. Agustina Bessa-Luís faz anos hoje- 15/10/2010)

Igor Oistrakh

2010-10-12T22:00:00.005-03:00

April 27, 1931 - Odessa, Ukraine

The Ukrainian violinist (and conductor), Igor (Davidovich) Oistrakh (Russian: Игорь Ойстрах), is the son of the great violinist David Oistrakh. As a small boy he was taught to play violin, but his studies were interrupted and resumed only in 1943 under the guidance of Professor Pyotr Stolyarsky, an outstanding Soviet teacher. Later Igor finished as a brilliant pupil the Central Music School where his teacher was V. Merenbaum, and made his concert debut in 1948. His father David exercised the decisive influence on the development of the young artist's personality: it was under his guidance that Igor continued his studies at the Moscow Conservatory from 1949 to 1955 and took a post-graduate course. In 1949, at 18, Igor won the first prize at the International Violinists' Competition of the Youth and Student Festival in Budapest. The International Wieniawski Competition in Poznań brought him in 1952 a similar award.

Igor Oistrakh appears with unfailing success in the Soviet Union and abroad, inspiring enthusiastic press notices. His western debut took place at the Royal Albert Hall, London, and was followed by concert tours through the USA, Europe (Austria, Denmark, France, Britain, the GDR, Czechoslovakia), the USSR, Canada, South America, Japan and Australia. He has performed with the world's greatest orchestras under renowned conductors as Otto Klemperer, Reiner, Herbert von Karajan, Eugene Ormandy, Carlo Maria Giulini, Georg Solti, Lorin Maazell, Zubin Mehta, Seiji Ozawa, Rozhdestvensky and others, and his father, David Oistrakh. For 27 years, he played in a unique duo with his father, making several recordings together. Three times Igor was a participant of the festivals founded by Pablo Casals, who enjoyed their joint performances and highly apprlciated Soviet musician's skill. Igor has also given concerts with Yehudi Menuhin. The critics admire warm expressiveness of his violin, precision of his phrasing, his stern style, nobleness and virtuoso technique. Some critics even regard him as equal to his father in virtusity. He is noted for his lean, modernist interpretations. He has recorded for EMI, Deutsche Grammophon, Decca, RCA, Collins, Melodiya, and Art and Electronics.

(Igor with his father David Oistrakh)

Following his father's death in 1974, Igor Oistrakh continued the family tradition with his son Valery, also a prize winning concert violinist. Igor's wife, Natalia Zertsalova, is his duo pianist and together they have been awarded Honorary Membership in the Beethoven society in Bonn for their recording of the complete Beethoven Sonatas. They were also awarded the "Weiner Flotenuhr" by the Vienna Mozart Academy for their recording of the complete Mozart Violin Sonatas.

Since 1968 Igor Oistrakh has also conducted chamber and symphony orchestras as well as performing as a viola player. He is known as a conductor directing Soloists Ensemble of the Moscow Philharmonic Symphony Orchestra. Together they recorded Arcangelo Corelli's Concerti grossi, J.S. Bach's Brandenburg Concertos (BWV 1046-1051), W.A. Mozart's Slnfonla Concertante in E flat major for Violin and Viola and Serenade No.13 in G major for strings (Eine kleine Nachtmusik).

(Igor and your son Valery Oistrakh)

In 1958, Igor Oistrakh joined the faculty of the Moscow Conservatory in 1958, becoming a lecturer in 1965. Since 1996 he has held the post of Professor of the Royal Conservatory in Brussels. He was awarded the title of People's Artist of the USSR in February 1968, and became an Honorary Member of the Wieniawski Society in Poznan. Other awards and appointments include Fellow of the Royal College of Music, London, Presidency of the Russian section of the European String Teachers Association, honorary member of the Beethoven Society in Bonn, Honorary member of the Jascha Heifetz Society and the Ysaye Foundation, Belgium, Honorary President of the Cesar Franck Foundation in Belgium and member of the jury of the most prestigious violin competitions such as Tchaikovski, Queen Elisabeth, Wieniawski and Carl Flesch.
The asteroid 42516 Oistrach was named in his (and his father's) honour.

Three generations of great violinists, unqualified success.

Um texto de Pablo Neruda.

2010-10-12T10:16:00.003-03:00

...Sim Senhor, tudo o que queira, mas são as palavras as que cantam, as que sobem e baixam ...

Prosterno-me diante delas... Amo-as, uno-me a elas, persigo-as, mordo-as, derreto-as ...
Amo tanto as palavras ... As inesperadas ... As que avidamente a gente espera, espreita até que de repente caem ...
Vocábulos amados ... Brilham como pedras coloridas, saltam como peixes de prata, são espuma, fio, metal, orvalho ...
Persigo algumas palavras ... São tão belas que quero colocá-las todas em meu poema ...

Agarro-as no vôo, quando vão zumbindo, e capturo-as, limpo-as, aparo-as, preparo-me diante do prato, sinto-as cristalinas, vibrantes, ebúrneas, vegetais, oleosas, como frutas, como algas, como ágatas, como azeitonas ...
E então as revolvo, agito-as, bebo-as, sugo-as, trituro-as, adorno-as, liberto-as ...

Deixo-as como estalactites em meu poema; como pedacinhos de madeira polida, como carvão, como restos de naufrágio, presentes da onda ...

Tudo está na palavra ... Uma idéia inteira muda porque uma palavra mudou de lugar ou porque outra se sentou como uma rainha dentro de uma frase que não a esperava e que a obedeceu ...

Têm sombra, transparência, peso, plumas, pêlos, têm tudo o que ,se lhes foi agregando de tanto vagar pelo rio, de tanto transmigrar de pátria, de tanto ser raízes ...

São antiqüíssimas e recentíssimas. Vivem no féretro escondido e na flor apenas desabrochada ... Que bom idioma o meu, que boa língua herdamos dos conquistadores torvos ...
Estes andavam a passos largos pelas tremendas cordilheiras, pelas .

Américas encrespadas, buscando batatas, butifarras, feijõezinhos, tabaco negro, ouro, milho, ovos fritos, com aquele apetite voraz que nunca mais,se viu no mundo ...

Tragavam tudo: religiões, pirâmides, tribos, idolatrias iguais às que eles traziam em suas grandes bolsas... Por onde passavam a terra ficava arrasada...

Mas caíam das botas dos bárbaros, das barbas, dos elmos, das ferraduras. Como pedrinhas, as palavras luminosas que permaneceram aqui resplandecentes... o idioma.

Saímos perdendo... Saímos ganhando... Levaram o ouro e nos deixaram o ouro... Levaram tudo e nos deixaram tudo... Deixaram-nos as palavras.

(Do livro "Confesso que Vivi — Memórias",´Pablo Neruda)

AO EU POETA OBSCURO*

2010-10-05T10:41:00.004-03:00

Meu caro eu, meu poeta obscuro, se as portas se fecham, acalma o coração que o Todo deseja. Deixa supurar o mar da fúria. Eu sou essa fúria espalmada, aquele caracol que de teu limbo escapa. Um ângulo da alma, um certo abismo que te chama. Mas não te deixes sorver por essa força que te toma. Aceita, escreve... E lembra-te: lesmas, abelhas, abismos não são propriamente aos quinze minutos de fama destinados.

Se a poesia te chama, empenha-te em colocá-la para fora com as ferramentas que te servem. E aos ouvidos que te pedem, fala...

Entra em bons termos com a mágoa. E que tua alma acolha mais e mais a dor dos elefantes...

Achega-te a mim, a tua secreta verdade...

Sente como é bom pernoitar no coração dos amigos que te acolhem, te apalpam. São eles teus termômetros, tuas asas.

Vai ao teu jardim, ama tuas flores, observa aquela luz que as ilumina e se transfigura em tua alma. A beleza são esses achados, um certo conciliar entre o sentido que enxerga e as inesgotáveis manifestações da alteridade. É o paradoxo encantado, ilusão que nos diz que não existimos sem o mundo, e este não vive sem nossos olhos. Expressa essa beleza que é essência, que ao espírito remete.

No mais, os dias passam, o sol diminui no ocaso seu passo. E tudo volta, com o novo dia, ao seu antigo hábito.

Ah, escreve para os elefantes. Dizem que eles não esquecem. Assim tua alma inteira irá se aquientando em tua casa...

Fernando Campanella

*Maravilhoso texto, do especial amigo, poeta, e professor mineiro, Ferando Campanella.
Enjoy.

A beleza da alma, sem limites...

2010-09-12T11:59:00.006-03:00

[..]
"Naquela noite, no meu saco de dormir, no chão da cabana, sonhei que um castor enorme subia na minha jaqueta-travesseiro. Isso me acordou e eu senti alguma coisa movendo no meu cabelo e depois se retirando pro chão.No feixe de luz da minha lanterna, havia uma pequena ratinha de patas brancas e em sua boca um grande chumaço do que parecia ser meu cabelo. Ela saiu correndo pra um canto onde havia um braço de cadeira quebrado. Esperei no escuro e ela subiu de novo na minha cabeça e suas pequenas mãozinha rosadas e seus dentes cortaram o comprimento necessário de cabelo para aquele ninho. Voltei a dormir pensando o quanto era bom saber que o homem, a única verdadeira praga na Natureza teve, por fim, uma utilidade para ao menos uma "pessoinha" naquele vasto deserto."

Dr. Harry Lillie,
Médico americano de Dakota do Sul.

That night in my sleeping bag on the floor of the cabin, I dreamed a big beaver was climbing gently on to my jacket pillow. It woke me and I felt something moving at my hair, then retreating to the floor. In the beam of my torch, there was a little White Footed mouse; and in her mouth a great faggot of what looked suspiciously like my hair. She scampered off to where an old broken piece of armchair lay in a corner. I waited in the dark and she was back almost at once and up at my head, her tiny pink hands and teeth cutting the required lengths for that nest. I went to sleep again thinking it was so nice to know that man, the only true pest in Nature, was at last of some use to at least one little person in that vast wilderness.

Dr. Harry Lillie, 1975

"Natureza"

2010-09-12T11:31:00.016-03:00

"A natureza é bela e sábia, o homem por não respeitá-lá, torna-se mau e ignorante."

UNEXPECTED SUNFLOWERS

2010-08-29T17:37:00.003-03:00

You radiant sunflowers that abound
on Thirtieth Street and Tenth Avenue
spectacular where no one would expect you,
but I know, my birthday comes around,
to look there for you lush on barren ground
with your coarse leaves and buds cut like beau-
tiful emeralds.

Let me pick a few
of these wildflowers native among abandoned
trucks and empty freightcars and warehouses
and bring them home and put them in a vase.
I cannot look away. Their symmetry
is Mediterranean and their energy
Northern, and each has the majesty
of the sun alone in the blue sky.

Paul Goodman,
by "Homespun of Oatmeal Gray
- Poems by Paul Goodman".
Vintage Books (Random House) New York, 1970.

O Belo é Necessário

2010-07-28T18:02:00.002-03:00

Neste mundo o lindo é necessário. Há mui poucas funções tão importantes como esta de ser encantadora. Que desespero na floresta se não houvesse o colibri! Exalar alegrias, irradiar venturas, possuir no meio das coisas sombrias uma transmutação de luz, ser o dourado do destino, a harmonia, a gentileza, a graça, é favorecer-te. A beleza basta ser bela para fazer bem. Há criatura que tem consigo a magia de fascinar tudo quanto a rodeia; às vezes nem ela mesmo o sabe, e é quando o prestígio é mais poderoso; a sua presença ilumina, o seu contato aquece; se ela passa, ficas contente; se para, és feliz; contemplá-la é viver; é a aurora com figura humana; não faz nada, nada que não seja estar presente, e é quanto basta para edenizar o lar doméstico; de todos os poros sai-lhe um paraíso; é um êxtase que ela distribui aos outros, sem mais trabalho que o de respirar ao pé deles. Ter um sorriso que - ninguém sabe a razão - diminui o peso da cadeia enorme arrastada em comum por todos os viventes, que queres que te diga? é divino.

Victor Hugo,
Excerto de 'Os Trabalhadores do Mar'

Eduardo Hernández Asiaín

2010-07-19T10:57:00.004-03:00

Eduardo Hernández Asiain
(La Habana, 17 de mayo de 1911 — Corella, Navarra,11 de Mayo de 2010 )

Violinista cubano, discípulo de Enrique Fernández Arbós y compañero de Ataúlfo Argenta, uno de los mejores violinistas del siglo XX. Sus interpretaciones de los grandes clásicos han destacado no solo por su técnica, sino por el sentimiento transmitido en su manera de tocar y de vivir la música.

Ha brillado especialmente por sus interpretaciones de las obras de Pablo Sarasate y por piezas clásicas como son las Sonatas para violín y piano de Johann Sebastian Bach.

Nace en La Habana en 1911, en el seno de una familia española. Siguiendo los pasos de su padre (compositor y violinista natural de Corella - Navarra España), se inicia en el aprendizaje del violín, en cuya interpretación ha llegado a alcanzar un relevante lugar que le sitúa entre los mejores violinistas del siglo XX.

Inicia sus estudios musicales a muy temprana edad y ofrece su primer concierto en público a los siete años.

A los catorce obtiene el primer premio de Violín en el Conservatorio Nacional de La Habana, siendo nombrado concertino de la Orquesta Sinfónica de La Habana.

En 1932 se traslada con su familia a Madrid, profundizando sus estudios con los maestros Arbós y Bordas.

Obtiene el premio extraordinario Pablo Sarasate en el Real Conservatorio de Música de Madrid. También logra galardones en el Certamen Internacional de Violinistas, organizado por Unión Radio; en el Concurso Nacional de Violinistas y el Concurso de Música de Cámara, promovidos por el Ministerio de Educación.

Pensionado por la Real Academia de Bellas Artes de Madrid, amplía sus estudios en el extranjero y ofrece numerosos conciertos de gran éxito en Europa y América.

A partir de 1954, actúa como solista con la Orquesta de la Sociedad de Conciertos Pasdeloup de París, Radiodifusión Francesa y Belga, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orquesta de Cámara de Madrid y Orquesta Sinfónica y de Cámara de San Sebastián, de la que es su creador.

En 1968 fue nombrado Primer Violín del Cuarteto Clásico de RTVE con el que realizó un gran número de conciertos y grabaciones, en España y en otros países.

Realiza giras por Estados Unidos de América, destacando su actuación con la Long Beach Symphony Orchestra de California, donde obtiene un gran éxito interpretando el Concierto para violín en Re de Tchaikovsky.

Don Eduardo Hernández Asiaín, murio el dia 11 de Mayo de 2010 en Corella, Navarra donde paso sus ultimos años.

2010-07-03T21:45:00.000-03:00

Poema

2010-06-14T19:07:00.002-03:00

(Photo by Fernando Campanella)

... os grilos agora tilintam
e a luz da lua
impregna as árvores de um bálsamo.
Meu amor, se possível me aguarda,
retorno a ti, clara a trilha
que agora aos meus olhos se abre.

(Fernando Campanella)

Laderzi's Gallery

2010-06-14T18:37:00.003-03:00

Linda homenagem da querida amiga Leila Derzi, ao poeta Fernando Campanella, pela passagem de seu aniversário.Clique na foto para ler.

Obs:
Uma vez aberta uma foto individual, clique no lado direito do mouse e vá a
'Go full screen' (Tela grande) para melhor visualizar o belíssimo trabalho da querida amiga.

Arthur Rubinstein

2010-06-01T17:06:00.005-03:00

Arthur Rubinstein
(Łódź,Polônia a 28 de janeiro de 1887 — Faleceu em Genebra, 20 de dezembro de 1982)
foi um pianista polonês e judeu, que é muito conhecido como um dos melhores pianistas virtuosos do século XX. Foi aclamado internacionalmente por suas perfomances de Chopin e Brahms.
Rubinstein começou a tocar piano muito cedo, com apenas três anos. Aos 6 anos, tocou em público pela primeira vez.

Entrou para o Conservatório de Varsóvia aos oito anos, onde foi aluno de Paderewski e Ludomir Rozyck. Prosseguiu seus estudos em Berlim com Heinrich Barth, apresentando um recital em 1900.
Em 1906 apresentou-se em Nova Iorque, como solista da Orquestra da Philadelphia. Volta a morar na Europa.
Em Paris, atua como professor de piano. Durante a 1ºGuerra Mundial, atua como intérprete militar em Londres. Apresenta-se em duo com o violinista Eugène Ysaye.
Em 1916 visita a Espanha, onde interpreta composições de Granados e Manuel de Falla. A Fantasia Bética, deste último, é dedicada à Rubinstein.
Em 1919 vem ao Brasil, e conhece Villa-Lobos. Interessa-se pelas modernas composições deste, e torna-se responsável pela divulgação de suas mais famosas composições.

Em sua homenagem, Villa-Lobos escreveu seu Rudepoema(1926).
Rubinstein também interpretava composições de seu compatriota e amigo Karol Szymanowski. Stravinsky dedicou-lhe os 3 Movimentos de Petruschka(1921) - considerada sua mais difícil obra para piano.
Em 1928,conhece Aniela Mlynarski, com quem viria a casar-se em 1932. A partir de então, renova sua técnica, e depois de algum tempo dedicado a intensivos estudos apresenta-se nos EUA em 1937.

Desde então, tem sua reputação de grande intérprete assegurada.
Nos anos da 2ºGuerra Mundial, muda-se para os Estados Unidos, e em 1946 obtém cidadania americana. Rubinstein apresentou-se em muitos países - As Américas, Europa, África, Ásia e Oceania - e tornou-se uma celebridade.
Suas gravações, sempre muito bem recebidas, revelam um extenso repertório: Chopin (integral das obras para piano), Schumann, Granados, Falla, Prokofiev, Villa-Lobos e Stravinsky, e música de câmara, além de concertos de Chopin, Brahms, Beethoven, Mozart,Schumann, Grieg, Tchaikovsky, Rachmaninoff e Saint-Säens.

Rubinstein revelava extrema modéstia quando falava de si próprio. Sua personalidade mostrava interesse não apenas em música, mas nos pequenos e refinados momentos de prazer que a vida oferece.
Sua última atuação pública deu-se em 1976, quando já estava com 89 anos, na sala de espetáculos londrina Wigmore Hall, onde tocara pela primeira vez quase 70 anos antes.

Steven Hill

2010-05-19T09:25:00.008-03:00

Hill was born Solomon Krakovsky ,February 24, 1922 in Seattle, Washington. After serving four-years in the Naval Reserve, Hill made his first New York stage appearance in Ben Hecht's A Flag is Born in 1946, which also featured a young Marlon Brando. Hill says his big break came when he landed a small part in the hit Broadway show Mister Roberts. "The director, Joshua Logan, thought I had some ability and he let me create one of the scenes," says Hill. "So I improvised dialog and it went in the show. That was my first endorsement. It gave me tremendous encouragement to stay in the business." Hill said this was a thrilling time in his life when fresh out of the service he played the hapless sailor Stefanowski. "You could almost smell it from the very first reading that took place - this is going to be an overwhelming hit," said Hill. "We all felt it, and experienced it and were convinced of it, and we were riding the crest of a wave from the very first day of rehearsals."

In 1947, Hill became a founding member of Lee Strasberg's Actors Studio alongside such other actors as Marlon Brando, Montgomery Clift and Julie Harris.
Hill made his film debut in 1950 in Lady Without a Passport. He then re-enlisted in the Navy in 1952 for two years and when he completed his service resumed his acting in earnest. Strasberg later said, "Steven Hill is considered one of the finest actors America has ever produced". When he was starting out as an actor, Hill sought out roles that had a social purpose. "Later I learned that show business is about entertaining," he says. "So I've had to reconcile my idealistic feelings with reality".

Hill was particularly busy in the so-called "Golden Age" of live TV drama, appearing in such prestigious video offerings as The Trial of Sacco and Vanzetti in 1960 earning him an Emmy nomination for his portrayal of Bartolomeo Vanzetti. "When I first became an actor, there were two young actors in New York: Marlon Brando and Steven Hill," said Martin Landau. "A lot of people said that Steven would have been the one, not Marlon. He was legendary. Nuts, volatile, mad and his work was exciting".
In 1961, Hill had an unusual experience when he appeared as Sigmund Freud on Broadway in Henry Denker's A Far Country portraying Freud at the age of 35. On April 12, 1961 Hill was stricken with a virus the night of a sold out performance for the Masters Children's Center of Dobbs Ferry. As a result the producers decided to cancel the performance just as the curtain was about to go up. Among the notables in the audience were Joseph P. Kennedy, Jack Benny and Richard Rodgers. The audience was invited to exchange its ticket stubs for other performances. The understudy was not ready to replace Hill, so Alfred Ryder, the play's director stepped into the role of Freud for one performance.
Hill's early screen credits include The Goddess and A Child is Waiting.

Hill was the original leader of the Impossible Missions Force, Dan Briggs in the series Mission: Impossible beginning in 1966. The phrase "Good morning, Mr. Briggs..." was a fixture early in each episode as it began a tape recording he retrieved which detailed the task he must accomplish, however he left the show in 1967 after the end of the first season. As one of the few Orthodox Jewish actors working in Hollywood, he made it clear in advance of production that he was not able to work on the Sabbath (i.e., sundown Friday to dusk Saturday), and that he would be leaving the set every Friday before sundown. However, despite Hill's advance warnings, the show's producers were unprepared for his rigid adherence to the Sabbath, and on at least one occasion Hill left the set while an episode was still in the midst of filming.

Hill was briefly suspended from the show near the end of the season, during the production of episode no. 23 (entitled Action!). The suspension was imposed after he refused to climb the rafters via a soundstage staircase, as was called for in the script. (This incident was unrelated to any religious observances of Hill's.) Consequently, Hill was written out of that episode, and when he returned to Mission: Impossible for the five remaining episodes of the season, his role was severely reduced. Hill was not asked to return for season 2, and was replaced as the show's star by Peter Graves.

Hill returned to work in the 1980s and 1990s, playing parental and authority-figure roles in such films as Yentl (1983), Neil Simon's Brighton Beach Memoirs, Heartburn (1986), and Billy Bathgate (1991). Hill also appeared as a mob kingpin in Raw Deal (1986), an action vehicle for Arnold Schwarzenegger.

Hill is best known as Adam Schiff in the NBC TV drama series Law & Order, a part that he played for ten seasons (1990–2000). Hill's character is loosely modeled after the real district attorney of New York, Robert Morgenthau and it is reported that Morgenthau was a fan of the character. Hill says playing Adam Schiff is the hardest role he's ever had because of all the legal jargon he has to learn. "It's like acting in a second language," says Hill. Hill adds that he agrees with the show's philosophy. "There's a certain positive statement in this show," Hill says. "So much is negative today. The positive must be stated to rescue us from pandemonium. To me it lies in that principle: law and order." Hill earned another Emmy nomination for Best Supporting Actor In a Dramatic Series in 1997. At the time of his departure, Hill was the longest-serving cast member. Along with Law & Order castmate Sam Waterston, Hill has also appeared in commercials for T.D. Waterhouse, an investment brokerage.

Appearing in the play A Far Country in 1961 had a profound effect on Hill's later life. In one scene, a patient screams at Freud, "You are a Jew!"; this caused Hill to think about his religion. "In the pause that followed I would think, 'What about this?' I slowly became aware that there was something more profound going on in the world than just plays and movies and TV shows. I was provoked to explore my religion". He was inspired by the late Skverrer Rebbe, to adhere to strict Orthodox Judaism, observing a kosher diet, praying three times a day, wearing a four-cornered fringed garment beneath his clothes, and strictly observing the Shabbat. This made Hill unavailable for Friday night or Saturday matinee performances and effectively ended his stage career and closed many roles to him in the movies, most notably The Sand Pebbles.

Today is 88 years old.

Fred Astaire 10/05/1899

2010-05-10T21:10:00.007-03:00

Fred Astaire, nome artístico de Frederick Austerlitz
(Omaha, 10 de Maio de 1899 — Los Angeles, 22 de Junho de 1987) foi um ator e dançarino estado-unidense.
Estaria comemorando hoje 111 anos de idade.

Antes de Fred Astaire estrear no cinema, os dançarinos apareciam nos filmes apenas "em partes": os pés, as cabeças e os torsos eram compostos na sala de edição. Astaire, por sua vez, exigia ser filmado de corpo inteiro. Para isso eram necessários longos ensaios - certa vez chegou a três meses com dez horas diárias de trabalho, com repetições feitas passo a passo e movimentos de câmara acompanhando a coreografia. Em seus filmes, Astaire conseguiu dar nova emoção a dança, fosse ela banal ou repleta de tragicidade.Sua interpretação enriquecia-se pelo que James Cagney chamava de "o toque do vagabundo". Sempre trajado a rigor, seu charme tornou-se lendário.

Fez sua primeira apresentação no palco aos cinco anos com a irmã Adele, que o acompanhava em revistas musicais nos anos 1920, em Londres. Estreou no cinema em 1915, fazendo uma pequena ponta e em 1933 apareceu ao lado de Joan Crawford em Dancing lady. Nesse mesmo ano atuou no primeiro de uma série de dez filmes ao lado de Ginger Rogers. Os dois formavam uma parceria impecável (Ele dava classe a ela, ela dava sex-appeal a ele, explicou certa vez um diretor de estúdio). Hollywood tinha razão ao lhe conferir um Oscar especial em 1949, por sua contribuição à técnica dos musicais no cinema. Ginger Rogers, claro, foi quem lhe entregou o prêmio.

Estudioso de dança e sempre buscando novos passos e ritmos, aos 17 anos conheceu o compositor George Gershwin e a amizade dos dois teria um impacto profundo na carreira de ambos. Durante os anos 1920 e começo dos anos 1930, Astaire e Adele se apresentaram na Broadway e em palcos londrinos justamente em musicais compostos por Gershwin, entre eles Lady Be Good (1924), Funny Face (1927), e A Roda da Fortuna (1931). Quando Aldele se casou em 1932, a dupla se separou de vez.

Em 1933 casou-se com Phyllis Potter, que morreu em 1954 com quem teve dois filhos, Fred e Ava. Ele deixou de ser dançarino em 1968 para passar a interpretar papéis dramáticos. Fora dos estúdios não gostava de dançar e dizia que as danças de salão o entediavam. Grande fã de corrida de cavalos, voltou a se casar em 1980 com a jóquei Robbin Smith, 35 anos mais nova que ele.

O arquiteto americano Frank O. Gehry projetou um edifício em Praga, República Tcheca, em homenagem ao casal Fred & Ginger. O edifício toma a forma do casal e parece mostrá-los em plena dança.

Reza a lenda que no seu primeiro teste para o cinema ele foi avaliado da seguinte maneira: Não sabe interpretar, é ligeiramente calvo e sabe dançar. Muitos anos mais tarde, a única pessoa que podia rivalizar com seu talento, Gene Kelly, declarou: "A dança em filmes começou com Fred Astaire".

Mesmo no começo de carreira, Astaire tinha liberdade total para desenvolver suas coreografias e, num feito quase inédito na época, recebia uma porcentagem da bilheteria. Inovou a maneira de se filmar cenas musicais exigindo que a câmera ficasse parada ("ou os dançarinos giram ou a câmera", dizia ele) e também fazendo a música e a dança casar com o enredo do filme.

Em 1939, Astaire deixou a RKO e passou a agir como freelancer dançando com Eleanor Powell em Broadway Melody, de 1940, com Bing Crosby em Holiday Inn, de 1942 e Romance Inacabado, de 1946, onde cantou a música que mais ficaria atrelada à sua figura, Puttin' on the Ritz. Nessa fase, apareceu também ao lado de Rita Hayworth, Lucille Ball e na única parceira com Gene Kelly no filme Ziegfeld Follies, em 1946. Neste mesmo ano, anunciou sua aposentadoria e foi cuidar de suas duas grandes paixões: fundou o Fred Astaire Dance Studio (que vendeu em 1966) e passava o tempo em corrida de cavalos.

Entretanto em 1948, foi chamado para substituir Gene Kelly, que estava machucado, em Desfile de Páscoa, contracenando com Judy Garland e Ann Miller. Nos anos 50, apareceu em inúmeros filmes musicais, com destaque para Núpcias Reais, de 1951 (onde literalmente sobe as paredes em uma cena), A Roda da Fortuna, de 1953, e Meias de Seda, 1957, ambos com Cyd Charisse, e ainda Cinderela em Paris, com Audrey Hepburn.

Finalmente, em 1959, Astaire se aposentou dos filmes musicais e fez sua primeira aparição em uma atuação dramática no filme A Hora Final, sobre os efeitos de uma hecatombe nuclear. Acabou indo dançar na televisão e seu programa An Evening with Fred Astaire, que ganhou nove prêmios Emmy somente na temporada de estréia. Continuou a atuar mesmo na terceira idade e fez pontas em Inferno na Torre, de 1974 (recebendo uma indicação ao Oscar por seu papel), Era uma vez em Hollywood, um documentário sobre os anos clássicos da dança no cinema, e no cult trash Os Incríveis Dobbermans, de 1976. Sua última aparição foi em Histórias de Fantasmas ao lado de dois outros grandes monstros do cinema antigo, Melvyn Douglas e Douglas
Fairbanks Jr.

Fred Astaire morreu de pneumonia em junho de 1987. Pontuou suas rotinas de dança com graça, elegância, leveza e originalidade. Perfeccionista ao extremo, exigia muitos ensaios e inúmeras refilmagens de cena, tanto que no filme Imagine, de John Lennon, fez uma aparição-surpresa que consistia simplesmente em conduzir Yoko Ono para dentro de um prédio, mas Astaire quis fazê-la duas vezes para ficar bom. Deixou como legado sua dança e o indefectível fraque, sempre acompanhado de uma cartola. Um estilo que dificilmente aparecerá de novo.

Manuel Maria Ponce

2010-05-05T10:17:00.007-03:00

Manuel María Ponce Cuéllar
(8 December 1882 – 24 April 1948)
was a Mexican composer active in the 20th century. His work as a composer, music educator and scholar of Mexican music connected the concert scene with a usually forgotten tradition of popular song and Mexican folklore. Many of his compositions are strongly influenced by the harmonies and form of traditional songs.
Born in Fresnillo, Zacatecas, Ponce moved with his family to the city of Aguascalientes only a few weeks after his birth and lived there until he was 15 years old.

He was famous for being a "musical prodigy"; according to his biographers, he was barely four years of age when, after having listened to the piano classes received by his sister, Josefina, he sat in front of the instrument and interpreted one of the pieces that he had heard. Immediately, his parents had him receive classes in piano and musical notation.

In 1901 Ponce entered the National Conservatory of Music, already with a certain prestige as a pianist and composer. There he remained until 1903, the year in which he returned to the city of Aguascalientes. This was only the beginning of his travels. In 1904 he traveled to Italy for advanced musical studies at the School of Bologna.

He studied in Germany as a pupil of Martin Krause at the Stern conservatory in Berlin between 1906 and 1908.

After his years abroad, Ponce returned to Mexico to teach piano and music history at the National Conservatory of Music from 1909 to 1915 and from 1917 to 1922. He spent the intervening years of 1915 to 1917 in Havana, Cuba.

In 1912 he composed his most famous work "Estrellita" (little star), which is not a normal love song, as is usually thought, but "Nostalgia Viva" (live nostalgia).

That same year, Ponce gave in the "Arbeau Theater" a memorable concert of Mexican popular music which, though it scandalized ardent defenders of European classical music, became a landmark in the history of the national song.

Heitor Villa-Lobos (1887-1959), who met Ponce in Paris in the 1920s, wrote
“ I remember that I asked him at that time if the composers of his country were as yet taking an interest in native music, as I had been doing since 1912, and he answered that he himself had been working in that direction. It gave me great joy to learn that in that distant part of my continent there was another artist who was arming himself with the resources of the folklore of his people in the struggle for the future musical independence of his country. [1] ”

With valuable activity promoting music of the country and writing melodías like "Estrellita", "A la orilla de un palmar", "Alevántate", "La Pajarera", "Marchita el Alma" and "Una Multitud Más", Ponce gained the honorific title Creator of the Modern Mexican Song. He was also the first Mexican composer to project popular music onto the world stage: "Estrellita", for example, has been part of the repertoire of the main orchestras of the world and countless singers, although quite often the interpreter ignores the origin of the song as well as its author.

In 1947 he received the National Science and Arts Prize.

He was married to Clementina Maurel, next to whom he died in Mexico City. His body was buried in the Roundhouse of the Illustrious Men in the Pantheon of Dolores in Mexico City. In his honor there is a board of recognition by the state of Aguascalientes at the base of the column of The Exedra, next to the fountain from a spring dedicated to this musical poet, in the city of Aguascalientes where he grew up and first studied music.

Ponce wrote music for solo instruments, chamber ensembles, and orchestra. His piano and guitar works outnumber those dedicated to other solo instruments within the set of pieces we know.

An important group of Ponce's works were previously unknown to the public, as self-proclaimed heir Carlos Vázquez, a Mexican piano performer and educator who studied with Ponce, kept most of the original manuscripts in his possession. Most of them were finally donated to the National School of Music (UNAM) in Mexico City, as an analytic catalogue of his works could still be published.

One of Ponce's melodies still heard today in various arrangements is "Estrellita" (1912).

Bibliography / Sources

* Corazón Otero: Manuel M. Ponce y la guitarra, Mexico 1980. First published in English by Musical New Services Limited, UK in 1983, 1994 ISBN 0-933224-84-2
* "Andrés Segovia, Manuel M. Ponce, Miguel Alcázar, Peter Segal: "The Segovia - Ponce Letters", Columbus, OH, Editions Orphée, 1989 ISBN 0-936186-29-1
* Ricardo Miranda Pérez, Grove Music Online

Manuel Maria Ponce, Oscar Shumsky

2010-05-01T19:10:00.004-03:00

Oscar Shumsky plays 'Estrellita' by Manuel MariaPonce & Bach Concerto A minor-II

Meus agradecimentos...

2010-04-28T10:46:00.000-03:00

Agradeço a amiga Regina Helena a lembrança pela passagem do dia de meu nascimento.
Fiquei surpresa e muito sensibilizada pelo lindo trabalho que ela me dedicou.
Não tenho palavras para agradecer, somente pedir a Deus que esteja sempre com ela, e compartilhar com os amigos as coisas mais belas de minha vida, que tão bem colocou nesse carinhoso livro.
Muito obrigada, obrigada cunhada de coração!
Maria Madalena
28/04/2010

ANDRÉS SEGÓVIA

2010-04-23T09:20:00.015-03:00

Andrés Segóvia nasceu em Linares (Jaén) em 21 de fevereiro de 1893.
Faleceu em Madri, 3 de junho de 1987.

Aos 5 anos teve
a ocasião de escutar pela primeira vez um violão, tocado por um músico flamengo; a
primeira impressão que lhe produziu - ele mesmo contou - em um tosco rasgueado foi
desagradável, mas logo seu canto o seduziu irremediavelmente. Em seus anos mais
maduros, Segóvia afirmou:"Me gusta mucho el flamenco auténtico, que se toca con
dedos fuertes, con brusquedad, pero desde dentro del alma", sin embargo, "la guitarra
clásica y la flamenca son caras opuestas de la misma montaña, pero nunca se
encuentram". Horrorizada, sua familia, frente à forte inclinação que o garoto
sentia por um instrumento tão "vulgar", tentaram desviar sua atenção para o violino,
o violoncelo ou o piano, mas tudo foi inútil. Aos 10 anos, e com a oposição familiar,
mas com a absoluta determinação que sempre o caracterizaria, comprou seu primeiro
violão e recebeu as primeiras lições: fora do Conservatório de Granada onde aprendia
teoria musical, já que ali não se ensinava o violão. Lições que forçosamente foram
muito breves, pois o pouco que podiam ensinar-lhe o aprendeu em poucas semanas. Assim,
para seu bem, se viu forçado a ser autodidata, e conforme ele mesmo ressaltou, "no hubo
serias desavenencias entre profesor y alumno". O único grande guitarrista que
pode aprender algo diretamente, quando sua personalidade já estava bem formada, foi
Miguel Llobet, discípulo de Tárrega.

Pouquíssimas vezes podemos afirmar em toda a história da música que somente uma
pessoa tenha impulsionado um instrumento até o ponto de resultar no desenvolvimento
decisivo do mesmo.
Segóvia, aliás, enobreceu o violão, um instrumento mal visto no mundo da música
séria e que quase não se cultivava dentro dele - estava mais limitado ao campo da
música popular e do flamengo, e confinado portanto em festas e tavernas -
convertendo-o em respeitável todas as partes, habitual e até imprescindível nos
conservatórios e escolas de música do mundo inteiro. E, não bastando, impulsionou
decisivamente a composição de peças pensadas expressamente para o violão, cuja
literatura era muito escassa: Castelnuovo-Tedesco, Falla, Hindemith, Ibert, Jolivet,
F. Martin, Milhaud, Moreno Torroba, Ponce, Rodrigo, Roussel, Tansman, Turina e
Villa-Lobos são alguns dos grandes compositores que escreveram, graças ao estimulo
de Segóvia, para o violão. Além disso, Segóvia transcreveu para o violão uma grande
quantidade de obras compostas originalmente para alaúde, cravo e inclusive para
piano (páginas de Chopin, Mendelssohn, Brahms, Grieg, Granados, Albéniz, Acriabin,
Debussy, etc.)

Em pouco tempo, Segóvia desenvolveu uma técnica incomparável; aos 16 anos deu seu
primeiro recital em Granada, com tão grande êxito que pode apresentar-se
sucessivamente em outras cidades espanholas, culminando o ano de 1912 em Madrid, e
levando-o em 1916 a um giro pela América do Sul. Sua apresentação em Paris, em 1924,
graças ao apoio de Pablo Casals, causou verdadeira sensação, inclusive nos
assistentes tão ilustres e exigentes como Paul Dukas e Manuel de Falla: assombraram,
sobretudo, suas reveladores interpretações de Bach (transcrições feitas por ele mesmo),
um patriarca da música, embora até então não suficientemente conhecido. E o fizeram
enveredar pelo amplíssimo campo do repertório barroco que potencialmente se abria
para o violão, o que foi se tornando uma realidade nos anos seguintes. Nesse mesmo
ano tocou pela primeira vez em Londres, logo por toda a Europa - Rússia incluída - e
em 1928 fez sua estréia nos Estados Unidos. Os triunfos foram sucedendo-se e sua fama
se estendeu por todo o mundo. Em 1927 gravou em Londres seus primeiros discos - o
primeiro violonista clássico que o fazia. Exatamente 50 anos depois gravaria em Madrid os últimos. cultivava o repertório, em boa parta esquecido, de seus predecessores
espanhóis, virtuosos do violão de celebridade efêmera, e acertou em absorver suas
técnicas, até então irreconciliáveis: Dionísio Aguado usava somente as unhas da mão
direita, enquanto que Fernando Sor e Francisco Tárrega a ponta dos dedos. Segóvia
compreendeu que, para obter toda a gama de sonoridades que o violão escondia, não
podia limitar-se a uma ou a outra, senão combina-las. Assim, a riqueza de seu som,
"de ferro e de veludo", como foi descrito, e com todos os graus e tonalidade de cor
entre um e outro, foi algo sem precedentes...e é preciso reconhecer que nenhum de
seus discípulos ou seguidores tem conseguido iguala-se neste aspecto.

Para a plena realização deste alcançe, também compreendeu Segóvia que seria preciso
trabalhar estreitamente com os mais competentes construtores de violão (como Ramirez
e Hauser), estimulando-lhes e aconselhando-lhes até conseguir violões capazes de uma
maior suavidade ao invés de uma voz rotunda. A partir da Segunda Guerra Mundial,
aprovou o uso, adotanto ele mesmo, das cordas de nylon. Em seus inumeráveis recitais
ao longo de todos os continentes, Segovia tocava não somente em salas reduzidas, mas
também em grandes auditórios, nos quais conseguia um clima de recolhimento e atenção
que foi batizado como "o silêncio Segovia".

Mas sempre se negou a amplificar seu som; em realidade, e diferentemente de outros,
não necessitava. "La guitarra no suena poco, sino lejos", costumava dizer.

Seu primeiro casamento foi com Paquita Madriguera, pianista discipula de Granados,
tiveram dois filhos, Andrés e Beatriz. Mais de meio século depois, aos 77 anos de
idade, Segovia engendrou seu terceiro filho, Carlos Andrés, com sua segunda esposa,
Emilia del Corral. Em 3 de junho de 1987, Andrés Segóvia morria em Madrid depois de
ter conseguido do mundo musical um reconhecimento tão alto e tão unanime como muito
poucas vezes alguem tenha obtido. Basta somente um testemunho, de um dos maiores
violinistas da primeira metade do século 20. Fritz Kreisler, quem afirmou que no
século XX soube somente de dois interpretés verdadeiramente grandes, Pablo Casals e
Andrés Segóvia (ambos espanhóis, curiosamente). De uma lucidez fora do comum até os
seus últimos anos, Segovia continuou até o final ativo como concertista - sua última
aparição publica foi em Miami, na primavera de 1978 (78 anos dando concertos) - e
como pedagogo: as últimas aulas que ministrou foram em Nova York somente 3 meses
antes de morrer. Quando, em uma ocasião, um amigo lhe perguntou porque não diminuia
sua intensa atividade em uma idade tão avançada, respondeu: "Terei toda uma
eternidade para descansar..." Distantes de terem perdido sua referencia depois de
seu desaparecimento, permanece viva e extraordinariamente ativa em seus discípulos -
Laurindo Almeida, Siegfried Behrend, Ernesto Bitetti, Carlos Bonell, Julian Bream,
Leo Brouwer, Alirio Díaz, Eduardo Fernándz, Eliot Fisk, Oscar Ghiglia, Sharon Isbin,
Alexandre Lagoya, Christopher Parkening, Ida Presti, Konrad Ragossnig, Pepe e Ángel
Romero, John Williams, Kazukito Yamashita, Narciso Yepes... - e indiretos todos os
demais, pois não há violonista clássico que não parta dele; inclusive no campo da
música "ligeira" não lhe faltam alunos triunfantes como Chet Atkins e Charlie Byrd;
até os Beatles disseram uma vez que "Segovia foi nosso papa". O inquestionável é que,
graças a Segovia, o violão é hoje um instrumento popular e respeitado em todo o
mundo.

Texto extraído do site
(Violão Mandrião)

Vídeos- YouTube.

The immortality of the soul

2010-04-14T17:42:00.002-03:00

(Foto by Antonio Carlos Januário - MG- Brazil)

The immortality of the soul is demonstrated by many proofs; but to see it as it really is-not as we now behold it, marred by communion with the body and other miseries-you must contemplate it with the eye of reason in its original purity; and then its beauty will be revealed. ... When a person starts on the discovery of the Absolute by the light of the reason only, without the assistance of the senses, and never desists until by pure intelligence he arrives at the perception of the absolute Good, he at last finds himself at the end of the intellectual world...

Poem / quote n° 3639 : Plato, (Athènes, 427 — id., 347 av. J.-C.), Classical Greek philosopher, founder of the Academy in Athens., Philosophy / Platonism
Source : Republic, 611B-C and 532B ; Jowett

Glenn Gould

2010-03-30T11:51:00.004-03:00

Glenn Herbert Gould
(25 de setembro de 1932; 4 de Outubro de 1982)

Foi um genial e renomado pianista canadense, conhecido especialmente por suas gravações de Johann Sebastian Bach. Suas gravações das Variações Goldberg são consideradas um marco na música ocidental do século XX. Gould abandonou as apresentações ao vivo em 1964, dedicando-se, desde então, apenas às gravações em estúdio, pelo resto de sua carreira, com um estilo de tocar muito peculiar, muitas vezes excêntrico.

Gould nasceu com o nome de Glenn Gold, em Toronto, Ontario. Sua família era protestante e mudou o seu nome logo após o seu nascimento, temendo que ele fosse confundido com um judeu, com isso, seu nome foi mudado de Gold para Gould para protegê-lo da onda de anti-semitismo que havia tomado o Canadá na década de 1930. Depois de aprender piano com sua mãe, cujo avô era um sobrinho de Edward Grieg, Gould matriculou-se no Royal Conservatory of Music em Toronto, quando tinha apenas 10 anos. Ali, estudou piano com Alberto Guerrero, órgão com Frederick C. Silvester, e teoria musical com Leo Smith.

Há uma teoria segundo a qual Glenn Gould sofria desde a infância de uma forma menor de autismo, a síndrome de Asperger. Ausência de empatia, desinteresse pelas relações humanas, algumas obsessões (como a hipocondria) fazem parte dessa síndrome.

Em 1945, fez sua primeira apresentação pública, tocando órgão, e no ano seguinte a sua primeira aparição com uma orquestra (a Toronto Symphony Orchestra), em uma performance do Concerto no. 4 para piano e orquestra, de Beethoven. Seu primeiro recital público seguiu-se em 1947 e sua primeira apresentação na rádio CBC aconteceu em 1950. Este foi o começo de uma longa associação com o rádio e com as gravações em disco em geral.
Em 1957, em plena era da Guerra Fria, Gould promoveu uma turnê pela União Soviética. Ele foi o primeiro cidadão do continente norte-americano a tocar ali depois da II Guerra Mundial.

No dia 10 de abril de 1964, Gould tocou em sua última apresentação pública, em Los Angeles, Califórnia, e pelo resto de sua vida se concentrou em outros interesses, como as gravações, escritas, transmissão de rádio e televisão, documentários e composição (ainda que tenha, de fato, produzido poucas composições).

Gould morreu em 1982, em Toronto, depois de sofrer um derrame. Seu corpo foi sepultado no cemitério Mount Pleasant, em Toronto.

Fotografias que falam ao coração...

2010-03-28T17:46:00.011-03:00

Bert Kaempfert

2010-03-12T20:34:00.007-03:00

Bert Kaempfert

(Born Berthold Heinrich Kämpfert; 16 October 1923(Barmbek, Hamburg, Germany –
Died 21 June 1980 (aged 56)Majorca- Spain)
Was a German orchestra leader and songwriter. He made easy listening and jazz-oriented records, and wrote the music for a number of well-known songs, such as "Strangers in the Night" (originally recorded by Ivo Robić) and "Spanish Eyes"

He was born in Hamburg, Germany - where he received his lifelong nickname, Fips - and studied at the School of Music there. A multi-instrumentalist, he was hired by Hans Busch to play with his orchestra before serving as a bandsman in the German Navy during World War II. He later formed his own big band, toured with them, then worked as an arranger and producer, making hit records with Freddy Quinn and Ivo Robić. In 1961, he hired The Beatles to back Tony Sheridan on My Bonnie (Lies Over the Ocean), When the Saints Go Marching In, Ain't She Sweet and Cry for a Shadow, in a session for Polydor, the Beatles' first commercial recordings.

Kaempfert's own first hit with his orchestra had been in 1960, with Wonderland by Night. Many of his tunes became better known as hits for other artists:

* Strangers in the Night (with words by Charles Singleton and Eddie Snyder, originally recorded by Ivo Robić), was originally recorded as part of his score for the 1965 film A Man Could Get Killed. It became a #1 hit for Frank Sinatra in 1966.
* Wooden Heart, sung by Elvis Presley in the film GI Blues was a hit in 1961. A cover of "Wooden Heart" performed by Joe Dowell became a big hit in the summer of 1961, reaching #1 on the Billboard Hot 100, on August 28 of that year. Bert arranged this traditional German folk song for the Presley movie.
* His instrumental Moon Over Naples, when given words by Snyder, became Spanish Eyes, originally a hit for Al Martino and also recorded by Engelbert Humperdinck, Presley, and many others.
* Danke Schoen, with words added by Kurt Schwabach and Milt Gabler, became Wayne Newton's signature song.
* L-O-V-E, with words added by Milt Gabler, was a hit for Nat King Cole
* Almost There, Andy Williams
* His 90 Minuten nach Mitternacht (Terror After Midnight) movie theme, with lyrics added by Herb Rehbein and Joe Seneca, became a pop ballad called Love After Midnight, recorded by both Patti Page (1964) and Jack Jones (1966).
* Tenderly, Three O'Clock in the Morning, Red Roses for a Blue Lady , and other American standards which Bert recorded, were covered frequently by other easy-listening or middle-of-the-road performers.
* A jazzier number called A Swingin' Safari was the initial theme tune for the long-running TV game show, The Match Game used on the NBC version from 1962-67. A Swingin' Safari also hit the Billboard charts by Billy Vaughn, the single release peaking at #13 in the summer of 1962. Another 1962 single, That Happy Feeling, became well-known as background music for children's television programming, most notably that of Sandy Becker on his daily WNEW-TV (now WNYW) show in New York between 1963 and 1967.
* Tahitian Sunset was sampled extensively by the lo-fi dance artists Lemon Jelly as their track In the Bath.
* The instrumental That Happy Feeling became a well-known theme song for one of the New York City children's shows, hosted in the early 1960's, by Sandy Becker.

Kaempfert's orchestra made extensive use of horns. A couple of numbers that featured brass prominently, Magic Trumpet and The Mexican Shuffle, were played by both Kaempfert's orchestra and by the Herb Alpert & the Tijuana Brass, whose initially Mariachi style, in fact, evolved towards the Kaempfert style as the 1960s progressed. The Brass covered Magic Trumpet, and Kaempfert returned the favor by covering Brass compadre Sol Lake's number, The Mexican Shuffle. The latter tune evolved into a TV ad, The Teaberry Shuffle.

Many of his hits during this period were composed and arranged with the help of fellow German Herb Rehbein, who became a successful bandleader in his own right. Rehbein's death in 1979 shook Kaempfert deeply. Both Kaempfert and Rehbein were posthumously inducted into the Songwriters Hall of Fame.

In 1967 jazz clarinetist Pete Fountain recorded the album Pete Fountain Plays Bert Kaempfert in Hamburg, Germany with musicians from Kaempfert’s orchestra. It featured Kaempfert’s signature hits.

In 1967 the Anita Kerr Singers released the LP Bert Kaempfert Turns Us On!, a tribute to Keampfert featuring the standard hits.

In 1968 jazz trumpeter Al Hirt recorded the album Al Hirt Plays Bert Kaempfert. It, too, featured Kaempfert’s major hits.

In 1970 Johnny Mathis issued a double-LP album set, Sings the Music of Bacharach & Kaempfert, for Columbia. It consisted of a total 21 tracks in a heavyweight gatefold picture sleeve. The Kaempfert tracks were done in his arrangement style, and the Bacharach tracks were done in the American’s unique upbeat style.

By the 1970s, sales of Kaempfert's music had dropped off somewhat, but he continued to record (his version of the Theme from Shaft was admired by Isaac Hayes himself)[citation needed] and remained popular with audiences. He expanded the musical scope of his band and recorded in a wide variety of styles. He also began to play live concerts with his orchestra, beginning in 1974, with a successful appearance at London's Royal Albert Hall. A cigarette smoker (as illustrated on the posthumous Best of CD), he died suddenly, at the age of 56, following a stroke at his home on Majorca, shortly after a successful appearance in Britain.

Kaempfert used many musicians who were available in Germany and other parts of Europe, including many of the same players who played for James Last, Kai Warner and Roberto Delgado. He featured such top soloists as trumpeters Charly Tabor, Werner Gutterer, Manfred Moch and Ack van Rooyen, trombonists Ake Persson and Jiggs Whigham, and sax/flute player Herb Geller. Drummer Rolf Ahrens supplied the characteristically simple but steady beat, often playing just a snare drum with brushes.

Another contributor to Kaempfert's music was guitarist/bassist Ladislav "Ladi" Geisler, who popularized the famous "knackbass" (crackling bass) sound, which became the most distinctive feature of many Kaempfert recordings - a treble staccato bass guitar sound in which the bass string was plucked with a pick and immediately suppressed to cancel out any sustain. It was Geisler who lent his guitar amplifier to The Beatles for their recording session with Tony Sheridan, after the band's own equipment proved to be inadequate for recording purposes.[citation needed]

E-Book

2010-02-27T15:12:00.001-03:00

E-Book em homenagem ao poeta, escritor e jornalista, Tasso da Silveira.
(Curitiba- Paraná-1885-1968)

Clique na setinha e leia alguns poemas de sua vasta e admirável obra.

CHUVA

2010-02-25T09:57:00.009-03:00

A chuva, no pátio em que a olho cair, desce em andamentos muito diversos. No centro, é uma fina cortina (ou rede) descontínua, uma queda implacável mas relativamente lenta de gotas provavelmente bastante leves, uma precipitação sempiterna sem vigor, uma fração intensa do meteoro puro. A pouca distância das paredes da direita e da esquerda caem com mais ruído gotas mais pesadas, individuadas. Aqui parecem do tamanho de um grão de trigo, lá de uma ervilha, adiante quase de uma bola de gude. Sobre o rebordo, sobre o parapeito da janela a chuva corre horizontalmente ao passo que na face inferior dos mesmos obstáculos ela se suspende em balas convexas. Seguindo toda a superfície de um pequeno teto de zinco abarcado pelo olhar, ela corre em camada muito fina, ondeada por causa de correntes muito variadas devido a imperceptíveis ondulações e bossas da cobertura. Da calha contígua onde escoa com a contenção de um riacho fundo sem grande declive, cai de repente em um filete perfeitamente vertical, grosseiramente entrançado, até o solo, onde se rompe e espirra em agulhetas brilhantes.
Cada uma de suas formas tem um andamento particular; a cada uma corresponde um ruído particular. O todo vive com intensidade, como um mecanismo complicado, tão preciso quanto casual, como uma relojoaria cuja mola é o peso de uma dada massa de vapor em precipitação.
O repique no solo dos filetes verticais, o gluglu das calhas, as minúsculas batidas de gongo se multiplicam e ressoam ao mesmo tempo em um concerto sem monotonia, não sem delicadeza.
Quando a mola se distende, certas engrenagens por algum tempo continuam a funcionar, cada vez mais lentamente, depois toda a maquinaria pára. Então, se o sol reaparece, tudo logo se desfaz, o brilhante aparelho evapora: choveu.

Francis Jean Gaston Alfred Ponge
(Montpellier, France, 27 March 1899 - 6 August 1988)
(Trad: Júlio Castañon Guimarães)

Poemas selecionados

2010-02-19T09:35:00.001-03:00

Poemas selecionados do blogger 'Meus poemas favoritos'.Uma seleção e formatação de Regina Helena.

Todos E-Books aqui presentes, foram um presente da minha especial amiga, escritora e webdesign, Regina Helena, a quem agradeço de todo coração. Suplico a Deus que esteja sempre com ela, principalmente nessas horas tão sensíveis que vem enfrentando...
Que o Senhor sempre esteja contigo e ilumine os caminhos que deves percorrer.

E-Book (Gabriel Garcia Marques)

2010-02-19T09:16:00.010-03:00

Trechos no notável escritor Gabriel García Márques, nascido em Aracataca, Colômbia, 06/03/1927. Ganhador do Premio Nobel de Literatura em 1982.Vive atualmente em Cuba.
Formatação de Regina Helena.

Mais poemas...

2010-02-19T09:06:00.005-03:00

E-Book, formatado pela amiga Regina Helena, uma verdadeira designer em arte para bloggers, livros on-line etc...
Clique na pontinha do livros para ler os poemas.
(Aceita encomendas)

E-Book

2010-02-19T08:53:00.004-03:00

Um pouco da bela poesia de Bernardina Vilar, poeta cearense nascida em Crato 22-05-1928,
falecida em 21-12-1997.

Jerome David Salinger

2010-02-08T16:07:00.003-03:00

Se for consultar o psicanalista, confio em Deus que ele permita que se sente também ao nosso lado um dermatologista, pois sinto que tenho cicatrizes nas mãos por tocar em certas pessoas.
E por mais que penso o quanto mudei, não sou outra pessoa, sou eu, cada vez mais eu, cada vez mais perto da última personagem que na tela das minhas memórias irá surgir a seu tempo, vinda do nada, renascida do meio de tudo...

J.D. Salinger
(Manhattan,New York, January 1, 1919 – January 27, 2010)

MY SONG

2010-02-01T09:33:00.002-03:00

This song of mine will wind its music around you,
my child, like the fond arms of love.

The song of mine will touch your forehead
like a kiss of blessing.

When you are alone it will sit by your side and
whisper in your ear, when you are in the crowd
it will fence you about with aloofness.

My song will be like a pair of wings to your dreams,
it will transport your heart to the verge of the unknown.

It will be like the faithful star overhead
when dark night is over your road.

My song will sit in the pupils of your eyes,
and will carry your sight into the heart of things.

And when my voice is silenced in death,
my song will speak in your living heart.

Rabindranath Tagore

Rudolf Serkin

2010-01-03T09:56:00.002-03:00

(Hebrew: רודולף סרקין‎, Russian: Рудольф Сёркин, March 28, 1903 – May 8, 1991, Guilford, Vermont) was a Bohemian-born pianist.)

He was born in Eger, Bohemia, Austro-Hungarian Empire (now Cheb, Czech Republic) to a Russian-Jewish family.

Hailed as a child prodigy, Serkin was sent to Vienna at the age of 9, where he studied piano with Richard Robert and, later, composition with Joseph Marx making his public debut with the Vienna Philharmonic at 12. From 1918 to 1920 he studied composition with Arnold Schoenberg and participated actively in Schoenberg's Society for the Private Performance of Music. He began a regular concert career in 1920, living in Berlin with the German violinist Adolf Busch and his family, which included a then 3-year-old daughter Irene, whom Serkin would marry 15 years later. In the 1920s and early 1930s, Serkin performed throughout Europe both as soloist and with Busch and the Busch Quartet. With the rise of Hitler in Germany in 1933, Serkin and the Busches (who were not Jewish but who vehemently opposed the Nazi regime) left Berlin for Basel, Switzerland.

In 1933 Serkin made his first United States appearance at the Coolidge Festival in Washington, D.C., where he performed with Adolf Busch. In 1936 he launched his solo concert career in the U.S. with the New York Philharmonic under Arturo Toscanini. The critics raved, describing him as "an artist of unusual and impressive talents in possession of a crystalline technique, plenty of power, delicacy, and tonal purity." In 1937, Serkin played his first New York recital at Carnegie Hall.

Shortly after the outbreak of World War II in 1939, the Serkins and Busches emigrated to the United States, where Serkin taught several generations of pianists at the Curtis Institute of Music in Philadelphia. From 1968 to 1976 he served as the Institute's Director. He lived with his growing family first in New York, then in Philadelphia, as well as on a dairy farm in rural Guilford, Vermont. In 1951, Serkin and Adolf Busch founded the Marlboro Music School and Festival near Brattleboro, Vermont with the goal of stimulating interest in and performance of chamber music in the United States. He made many recordings (primarily with Columbia) from the 1940s into the 1980s, including one at RCA Victor of Beethoven's Piano Concerto No. 4 in 1944, with the NBC Symphony Orchestra conducted by Toscanini. Serkin admired the music of Max Reger, which he discovered while working with Adolf Busch. In 1959, he became the first pianist in the United States to record Reger's Piano Concerto, Op. 114, with Eugene Ormandy and the Philadelphia Orchestra.

Serkin was awarded the Presidential Medal of Freedom in 1963 and in March 1972 celebrated his 100th appearance with the New York Philharmonic by playing Johannes Brahms's Piano Concerto No. 1. The orchestra and board of directors also named Serkin an honorary member of the New York Philharmonic-Symphony Society, a distinction also conferred on Aaron Copland, Igor Stravinsky, and Paul Hindemith. In 1986, he celebrated his 50th anniversary as a guest artist with the orchestra. He is also regarded as one of the primary interpreters of the music of Beethoven in the 20th century.

Revered as a musician's musician, a father figure to a legion of younger players who came to the Marlboro School and Festival, and a pianist of enormous musical integrity, he toured all over the world and continued his solo career and recording activities until illness prevented further work in 1989. He died of cancer on May 8, 1991, aged 88, at home on his Guilford, Vermont farm.

He and Irene were the parents of seven children (one of whom died in infancy), including pianist Peter Serkin. They also had fifteen grandchildren. Irene Busch Serkin died in 1998.

Rudolf Serkin play Beethoven, Sonata No. 26 "Les Adieux".

Ano Novo Cristão

2009-12-29T12:35:00.002-03:00

A todos amigos do blogger,
desejo um 2.010
pleno de Realizações,Saúde e Paz!

Maria Madalena

My Dead

2009-12-29T11:15:00.000-03:00

“Only the dead don’t die”

Only they are left me, they are faithful still
whom death’s sharpest knife can no longer kill.

At the turn of the highway, at the close of day
they silently surround me, they quietly go my way.

A true pact is ours, a tie time cannot dissever.
Only what I have lost is what I possess forever.

Rachel Bluwstein
(Russia 1.890,Tel Aviv in 1.931)

‘Só os mortos não morrem’

Só eles a mim me restam, são tranquilos e leais
os que a morte não pode matar mais com seus punhais.

Ao declinar da estrada, no final do dia
em silêncio se acercam, em sossego seguem minha via.

Verdadeiro pacto é o nosso, nó que o tempo não desmente.
Só aquilo que perdi é meu eternamente.

Rahel Bluwstei, 1890 – 1931.
Tradução de Nuno Guerreiro Josué

Fotografias que me encantam...

2009-12-28T22:41:00.006-03:00

(Esse, é meu pimpolho mesmo!)

Vieira Calado, um poeta especial.

2009-12-19T15:19:00.004-03:00

José Vieira Calado é poeta português, com vários livros publicados. Reside na bela cidade de Lagos - Algarve / Portugal.

Alem de Poeta, é também professor de inglês e Português, reformado. Tem atualmente 15 livros de poesia, dois de prosa e um Ensaio.

O escritor, além da atividade poética, interessa-se por astronomia e escreve artigos voltados para a temática, em seu blog “Astronomia Algarve”.

Minha’alma é triste

2009-12-11T14:43:00.003-03:00

Mon coeur est plein - je veux pleurer!
(Lamartine)
I

Minh’alma é triste como a rola aflita
Que o bosque acorda desde o albor da aurora,
E em doce arrulo que o soluço imita
O morto esposo gemedora chora.

E, como a rola que perdeu o esposo,
Minh’alma chora as ilusões perdidas,
E no seu livro de fanado gozo
Relê as folhas que já foram lidas.

E como as notas de chorosa endeixa*
Seu pobre canto com a dor desmaia,
E seus gemidos são iguais à queixa
Que a vaga solta quando beija a praia.

Como a criança que banhada em prantos
Procura o brinco que levou-lhe o rio,
Minh’alma quer ressuscitar nos cantos
Um só dos lírios que murchou o estio.

Dizem que há gozos nas mundanas galas,
Mas eu não sei em que o prazer consiste.
– Ou só no campo, ou no rumor das salas,
Não sei por que – mas a minh’alma é triste!

II

Minh’alma é triste como a voz do sino
Carpindo o morto sobre a laje fria;
E doce e grave qual no templo um hino,
Ou como a prece ao desmaiar do dia.

Se passa um bote com as velas soltas,
Minh’alma o segue n’amplidão dos mares;
E longas horas acompanha as voltas
Das andorinhas recortando os ares.

Às vezes, louca, num cismar perdida,
Minh’alma triste vai vagando à toa,
Bem como a folha que do sul batida
Bóia nas águas de gentil lagoa!

E como a rola que em sentida queixa
O bosque acorda desde o albor da aurora,
Minh’alma em notas de chorosa endeixa*
Lamenta os sonhos que já tive outrora.

Dizem que há gozos no correr dos anos!...
Só eu não sei em que o prazer consiste.
– Pobre ludíbrio de cruéis enganos,
Perdi os risos – a minh’alma é triste!

III

Minh’alma é triste como a flor que morre
Pendida à beira do riacho ingrato;
Nem beijos dá-lhe a viração que corre,
Nem doce canto o sabiá do mato!

E como a flor que solitária pende
Sem ter carícias no voar da brisa,
Minh’alma murcha, mas ninguém entende
Que a pobrezinha só de amor precisa!

Amei outrora com amor bem santo
Os negros olhos de gentil donzela,
Mas dessa fronte de sublime encanto
Outro tirou a virginal capela.

Oh! quantas vezes a prendi nos braços!
Que o diga e fale o laranjal florido!
Se mão de ferro espedaçou dois laços,
Ambos choramos, mas num só gemido!

Dizem que há gozos no viver d’amores,
Só eu não sei em que o prazer consiste!
– Eu vejo o mundo na estação das flores...
Tudo sorri – mas a minh’alma é triste!

IV

Minh'alma é triste como o grito agudo
Das arapongas no sertão deserto;
E como o nauta sobre o mar sanhudo,
Longe da praia que julgou tão perto!

A mocidade no sonhar florida
Em mim foi beijo de lasciva virgem:
– Pulava o sangue e me fervia a vida,
Ardendo a fronte em bacanal vertigem.

De tanto fogo tinha a mente cheia!...
No afã da glória me atirei com ânsia...
E, perto ou longe, quis beijar a s’reia
Que em doce canto me atraiu na infância.

Ai! loucos sonhos de mancebo ardente!
Esp’ranças altas... Ei-las já tão rasas!...
– Pombo selvagem, quis voar contente...
Feriu-me a bala no bater das asas!

Dizem que há gozos no correr da vida...
Só eu não sei em que o prazer consiste!
– No amor, na glória, na mundana lida,
Foram-se as flores – a minh’alma é triste!

Casimiro de Abreu
(Barra de São José- RJ-1839-1860)

Rita Levi-Montalcini

2009-11-17T17:16:00.006-03:00

Médica e investigadora italiana.
Não são muitas as mulheres que já receberam o Prémio Nobel da Medicina, mas, para lá desse prestigiado prémio, toda a vida de Rita Levi-Montalcini é recheada de interesse.
Nasceu em Turim, numa família judia,a 22 de abril em 1909 e teve uma irmã gémea.
Rita e os outros três irmãos tiveram uma infância feliz. Rita cresceu, estudou e foi para um colégio, com a irmã. Paula enveredou pela carreira artística, a irmã mais velha Nina, casou e foi dona de casa a tempo inteiro e Rita refugiou-se na leitura. Leu Virginia Woolf e Selma Lagerlöf. Frequentou a Universidade de Turim seis anos. Mais tarde recordaria a sensação estranha que teve a primeira vez que entrou num Instituto de Anatomia. Havia mais cinco alunas no seu curso. Rita tinha de estudar os cadáveres e perscrutar os tecidos através do microscópio. Levou o seu curso de Medicina muito a sério e depois optou pela investigação.
Pesquisou as células e suas mutações, bem como os nervos sensoriais.
De 1945 a1947 foi assistente do Prof. Levi, em 1947 partiu para Washington para a Universidade de Saint Louis, onde passou grande parte da sua vida de investigadora.

De 1945 a1947 foi assistente do Prof. Levi, em 1947 partiu para Washington para a Universidade de Saint Louis, onde passou grande parte da sua vida de investigadora. Continuando os estudos sobre o sistema nervoso chegou à descoberta de uma proteína que regula o crescimento dos tecidos, a que foi dado o nome de Nerve Grrowth Factor (NGF).
Em 1986 recebeu o Prémio Nobel da Fisiologia e Medicina, partilhado com Cohen.

Tem dupla nacionalidade. Italiana e norte-americana. O contributo de Rita Levi-Montalcini no campo da neuro-ciência é assinalável.
É presidente honorária da Associação Italiana de Esclerose Múltipla.

Em 22 de abril de 2009 Rita Levi-Montalcini, completou 100 anos e continua trabalhando em pesquisas.

Comentários dela mesma:

Sobre o mal afirma: “O mal é o desejo excessivo do próprio bem-estar e desinteresse pelo bem comum”.
Sobre sua idade: «Cem anos? É a idade ideal para fazer descobertas. Nunca aposente seu cérebro. Eu trabalho dia e noite com uma equipe extraordinária. No European Brain Research Institute (EBRI), eu e meus jovens colaboradores estamos aprofundando os estudos sobre o NGF que acompanha o desenvolvimento do ser humano do período pré-natal até a velhice. Estes trabalhos poderão ser úteis para combater as doenças neurodegenerativas e desenvolver um fármaco contra o mal de Alzheimer».

"O segreto da minha vitalidade é que eu vivo continuamente ocupada na pesquisa científica e nos problemas sociais. Não tenho tempo de pensar em mim mesma.”

"Meu cérebro tem um século... mas não conhece a senilidade..O corpo se enruga, não
posso evitar, mas não o cérebro!"

- Mantenha seu cérebro com ilusões, ativo, faça com que ele trabalhe e ele nunca se degenerará.
- Viverá melhor os anos que vive, é isso o
interessante. A chave é: manter curiosidades,empenho, ter paixões....veja...não me refiro apaixões físicas especificamente...simplesmentetenha paixões.

Rita Levi-Montalcini

Viagem...

2009-11-09T19:51:00.002-03:00

O tempo que navegaremos os quatro cantos da terra não se calcular. Viajar é uma arte de admirar. É amar loucamente cada aspecto do caminho. É ir em peregrinação, participando intensamente de coisas, de fatos, de vidas com as quais nos correspondemos desde sempre e para sempre. Para qualquer lado que vá, tudo será maior que qualquer sonho.

Há um momento feliz em todas as viagens: quando na bruma da distância já se advinha a presença dos amigos, quando se descobre o primeiro sorriso de boas-vindas e o coração se emociona sobre o primeiro ramos de flores.

Perguntaram-me para onde vou agora. Quem sabe para onde vai? Caminhamos sobre enigmas. Já deixamos para trás o sol enterrado no deserto; já descobrimos as estrelas e a lua veio ao nosso encontro.

O que me espera não sei.

Cecília Meireles
(Seleção de textos)

Fotografias que me encantam...

2009-11-08T10:03:00.011-03:00

O maravilhoso mundo dos animais...

A bondade...

La vida, instrucciones de uso

2009-11-04T21:50:00.004-03:00

"Yo pienso que todo esto no se corresponde con mi personalidad. Yo no soy vanidoso. Y esto es un regalo para los vanidosos, que se vuelven locos con los agasajos. Yo lo veo como desde fuera. Lo veo fríamente. Lo he pasado bien y lo estoy pasando bien. Pero soy el mismo. El mismo que se ríe hasta de sí mismo."

La literatura

"Yo digo que la literatura es lo esencial, lo básico. Todo lo que no sea literatura no existe. Porque, ¿dónde está la realidad? Un árbol lo es porque uno lo está nombrando. Y al nombrarlo está suscitando la imagen inventada que teníamos. Pero si no lo nombras el árbol no existe."

"Yo he escrito desde siempre; claro, primero serían pavadas, tonterías, pero siempre estuve escribiendo. El sentido de mi vida está en la literatura, esa es la verdad y creo que la literatura es la verdadera realidad. A la vejez última he descubierto que eso de literatura y realidad es una falsa contraposición, la realidad es la literatura. La realidad real, no es real, no existe."

La infancia

"La realidad básica es la de la infancia y la adolescencia, y el resto va acumulando cosas, pero son esos tiempos los que de modo tácito siguen en nosotros. Y uno puede sacar o no sacar de ese baúl."

El secreto de su longevidad

"Influyen la biología, la suerte y la fortaleza de ser sincero consigo mismo... La mala conciencia inquieta y no deja vivir. Si uno no ha obrado bien puede que viva atormentado. Y yo no tengo nada de lo que arrepentirme."

La muerte

"Casi desde que nací tuve conciencia de la muerte, esa fatalidad que tarde o temprano a todos nos afecta. Hay que aceptarla, guste o no guste. A veces he podido entender a los que se suicidan. Incluso les he podido respetar. Pero yo he aguantado todo lo que tenía que aguantar. Y no ha sido poco."

Inmortalidad

"No, no creo en la inmortalidad, ojalá. Creo en la literatura, que es lo mismo que la vida para mí. Viviré algo más en mis libros, durante algún tiempo, y ya está. Ésa es toda la inmortalidad a la que aspiro."

Felicidad

"¿Que si he sido feliz? Yo no tengo una escala para medir la importancia de las cosas en mi vida, o para decir fue mejor esto o lo otro. Pero sí puedo decir que este momento en el que estoy con ustedes es un momento de felicidad para mí; que haya tantas personas interesadas en lo que soy yo y en lo que ha sido y será mi vida, me emociona."

Su recuerdo

"Que me recuerde cada uno como le dé la gana."

Dados; El País.

Francisco Ayala
(Francisco Ayala García-Duarte (Granada, Espanha, 16 de março de 1906 - Madrid, 3 de novembro de 2009)

Claude Lévi-Strauss

2009-11-04T21:14:00.002-03:00

(Lévi-Strauss by Pablo Secca)

“Um espírito malicioso já definiu a América como sendo uma terra que passou da barbárie à decadência sem conhecer a civilização. Poderíamos com mais razão aplicar a fórmula às cidades do Novo Mundo: vão da frescura à decrepitude sem se deterem na antiguidade”.

Claude Lévi-Strauss

Bruxelas, 28 de novembro de 1908 — Paris, 30 de outubro de 2009)
foi um antropólogo, professor e filósofo francês. É considerado fundador da antropologia estruturalista, em meados da década de 1950, e um dos grandes intelectuais do século XX.

Professor honorário do Collège de France, ali ocupou a cátedra de antropologia social de 1959 a 1982. Foi também membro da Academia Francesa - o primeiro a atingir os 100 anos de idade.

Desde seus primeiros trabalhos sobre os povos indígenas do Brasil, que estudou em campo, no período de 1935 a 1939, e a publicação de sua tese As estruturas elementares do parentesco, em 1949, publicou uma extensa obra, reconhecida internacionalmente.

Dedicou uma tetralogia, as Mitológicas, ao estudo dos mitos, mas publicou também obras que escapam do enquadramento estrito dos estudos acadêmicos - dentre as quais o famoso Tristes Trópicos, publicado em 1955, que o tornou conhecido e apreciado por um vasto círculo de leitores.

Al Martino

2009-10-20T08:02:00.003-03:00

O cantor americano de origem italiana Al Martino, intérprete de baladas populares como "Spanish Eyes" e "Volare" e que atuou como o cantor de casamento no filme "O Poderoso Chefão"(1972), faleceu aos 82 anos, informa o jornal Philadelphia Inquirer.

Al Martino - cujo nome verdadeiro era Alfred Cini - morreu na terça-feira (13/10/2009) na Filadélfia (Pensilvânia), cidade em que foi criado, segundo Jerry Blavat, um amigo do cantor.

O Philadelphia Inquirer não informa as causas da morte do artista.

Al Martino foi muito famoso nas décadas de 1950 e 1960. Sua carreira teve como ponto alto o ano de 1965 com a música "Spanish Eyes", que se tornou um grande sucesso.

Breve Explicação do Sentido da Vida

2009-10-13T22:38:00.002-03:00

Como exprimir em duas linhas o que venho tentando explicar já não sei em quantos livros? A vida é um valor desconcertante pelo contraste entre o prodígio que é e a sua nula significação. Toda a «filosofia da vida» tem de aspirar à mútua integração destes contrários. Com uma transcendência divina, a integração era fácil. Mas mais difícil do que o absurdo em que nos movemos seria justamente essa transcendência. Há várias formas de resolver tal absurdo, sendo a mais fácil precisamente a mais estúpida, que é a de ignorá-lo.
Mas se é a vida que ao fim e ao cabo resolve todos os problemas insolúveis - às vezes ou normalmente, pelo seu abandono - nós podemos dar uma ajuda. Ora uma ajuda eficaz é enfrentá-lo e debatê-lo até o gastar... Porque tudo se gasta: a música mais bela ou a dor mais profunda. Que pode ficar-nos para já de um desgaste que promovemos e ainda não operamos? Não vejo que possa ser outra coisa além da aceitação, não em plenitude - que a não há ainda - mas em resignação. Filosofia da velhice, dir-se-á. Com a diferença, porém, de que a velhice quer repouso e nós ainda nos movemos bastante.

Vergílio Ferreira,
in "Um Escritor Apresenta-se"
Escritor/Ensaísta/Professor
(Portugal-1916-1996)

Fotografias que me encantam...

2009-10-10T21:50:00.010-03:00

NOS CORREDORES DA VIDA

2009-10-07T10:35:00.003-03:00

(Labirinto de Longleat- Reino Unido)

as gargantas secas emudecem
os fortes alcançam as montanhas
neles
há labirintos sem traduções
e traduções de labirintos.

Nos corredores da vida
há monges sem preces
e preces que o vento apagou.

Nos corredores da vida
tu e eu
nos debatemos em suas paredes
às vezes sombrias
às vezes aquecidas dos longos invernos.

Ah, nos corredores da vida!
e eu que ainda tenho tantas lagrimas
para derramar la.

E eu que entrei tão devagarinho
dentro dele
vestida de catedrais
e empunhando lanças de guerreiro
e trazendo lanternas
porque a cegueira dos caminhos
já se faz presente. . .

Alvina Nunes Tzovenos
In: Palavras ao Tempo

Formatações poéticas da amiga Regina Helena

2009-09-29T23:06:00.002-03:00

2009-09-29T22:40:00.000-03:00

Voeu

2009-09-25T18:44:00.002-03:00

Si j'étais la feuille que roule
L'aile tournoyante du vent,
Qui flotte sur l'eau qui s'écoule,
Et qu'on suit de l'oeil en rêvant ;

Je me livrerais, fraîche encore,
De la branche me détachant,
Au zéphyr qui souffle à l'aurore,
Au ruisseau qui vient du couchant.

Plus loin que le fleuve, qui gronde,
Plus loin que les vastes forêts,
Plus loin que la gorge profonde,
Je fuirais, je courrais, j'irais !

Plus loin que l'antre de la louve,
Plus loin que le bois des ramiers,
Plus loin que la plaine où l'on trouve
Une fontaine et trois palmiers ;

Par delà ces rocs qui répandent
L'orage en torrent dans les blés,
Par delà ce lac morne, où pendent
Tant de buissons échevelés ;

Plus loin que les terres arides
Du chef maure au large ataghan,
Dont le front pâle a plus de rides
Que la mer un jour d'ouragan.

Je franchirais comme la flèche
L'étang d'Arta, mouvant miroir,
Et le mont dont la cime empêche
Corinthe et Mykos de se voir.

Comme par un charme attirée,
Je m'arrêterais au matin
Sur Mykos, la ville carrée,
La ville aux coupoles d'étain.

J'irais chez la fille du prêtre,
Chez la blanche fille à l'oeil noir,
Qui le jour chante à sa fenêtre,
Et joue à sa porte le soir.

Enfin, pauvre feuille envolée,
Je viendrais, au gré de mes voeux,
Me poser sur son front, mêlée
Aux boucles de ses blonds cheveux ;

Comme une perruche au pied leste
Dans le blé jaune, ou bien encor
Comme, dans un jardin céleste,
Un fruit vert sur un arbre d'or.

Et là, sur sa tête qui penche,
Je serais, fût-ce peu d'instants,
Plus fière que l'aigrette blanche
Au front étoilé des sultans.

Victor Hugo
(1802-1885)
Recueil : Les orientales

Primavera

2009-09-23T19:09:00.003-03:00

A primavera chegará, mesmo que ninguém mais saiba seu nome,
nem acredite no calendário, nem possua jardim para recebê-la.
A inclinação do sol vai marcando outras sombras;
E os habitantes da mata, essas criaturas naturais que ainda circulam pelo ar e pelo chão, começam a preparar sua vida para a primavera que chega.
Finos clarins que não ouvimos devem soar por dentro da terra,
nesse mundo confidencial das raízes, — e arautos sutis acordarão as cores e os perfumes
e a alegria de nascer, no espírito das flores.
Há bosques de rododendros que eram verdes e já estão todos cor-de-rosa,
como os palácios de Jeipur. Vozes novas de passarinhos começam a ensaiar as
árias tradicionais de sua nação. Pequenas borboletas brancas e amarelas
apressam-se pelos ares, — e certamente conversam: mas tão baixinho que não
se entende.
Oh! Primaveras distantes, depois do branco e deserto inverno, quando as
amendoeiras inauguram suas flores, alegremente, e todos os olhos procuram
pelo céu o primeiro raio de sol.
Esta é uma primavera diferente, com as matas intactas, as árvores cobertas
de folhas, — e só os poetas, entre os humanos, sabem que uma Deusa chega,
coroada de flores, com vestidos bordados de flores, com os braços
carregados de flores, e vem dançar neste mundo cálido, de incessante luz.
Mas é certo que a primavera chega. É certo que a vida não se esquece, e a
terra maternalmente se enfeita para as festas da sua perpetuação.
Algum dia, talvez, nada mais vai ser assim. Algum dia, talvez, os homens
terão a primavera que desejarem, no momento que quiserem, independentes
deste ritmo, desta ordem, deste movimento do céu. E os pássaros serão
outros, com outros cantos e outros hábitos, — e os ouvidos que por acaso os
ouvirem não terão nada mais com tudo aquilo que, outrora se entendeu e amou.

Cecília Meireles

A Senhora das Flores

2009-09-21T20:13:00.007-03:00

(Uma cronica de Fernando Campanella)

Está agendado lá no calendário: dia 22 de setembro de 2009, precisamente às 18h19, ela chega, a senhorinha das flores. Vem um pouco adiantada neste ano, visto que oficialmente deveria aparecer no dia 23 de setembro.

É uma senhora vetusta, mas obstinada e dura na queda, sempre atuante entre os equinócios de primavera e os solstícios de verão. Tão velhinha, sim, porém sempre aprumada, aromática, a trazer no rosto, por sobre as espessas rugas, um mais suave tom em carmim.

Tão prestimosa, não obstante a concreta frieza das cidades e a dureza dos homens.

Tão dinâmica, um espetáculo de vitalidade e vibração, colocando muitos jovens no chinelo. Nem bem chega e já derrama as chuvas, põe a trabalhar os campos e os jardins. Guarnece os caminhos e os canteiros de margaridinhas, gérberas, jasmins, manacás... Espeta as abelhas e as borboletas preguiçosas. Espanta os filhotes de pássaros das cornijas, instruindo-os a voar.

E tão invasiva, essa anciã: escancara minhas janelas, arregaça minhas mangas, botando -me a espanar as teias, a varrer as folhas residuais do inverno. E ainda faz mote de meus ares introspectivos, de minha ficção outonal.

No dia 22, às 18h19, pois, ela chega, deliciosamente incômoda, assertiva, anunciando que com ela não tem tempo frio, nem árvores secas.

E novamente trará seu antigo, imenso barco onde me acomodará. Içará então as velas, e com seu invejável fôlego me tornará redivivo, despachando-me para mares do sul com seus luminosos jardins de coral.

Fernando Campanella

Feliz Ano 5.770 !!!

2009-09-21T10:29:00.000-03:00

Minhas sinceras homenagens a todo povo judeu, Feliz Ano 5.770,
שתהיה לך שנה מתוקה נפלאה ומלאה בדברים טובים

שנה טובה

Despedida

2009-09-16T15:46:00.004-03:00

(Uma cronica de Rubem Braga)

E no meio dessa confusão alguém partiu sem se despedir; foi triste. Se houvesse uma despedida talvez fosse mais triste, talvez tenha sido melhor assim, uma separação como às vezes acontece em um baile de carnaval — uma pessoa se perda da outra, procura-a por um instante e depois adere a qualquer cordão. É melhor para os amantes pensar que a última vez que se encontraram se amaram muito — depois apenas aconteceu que não se encontraram mais. Eles não se despediram, a vida é que os despediu, cada um para seu lado — sem glória nem humilhação.

Creio que será permitido guardar uma leve tristeza, e também uma lembrança boa; que não será proibido confessar que às vezes se tem saudades; nem será odioso dizer que a separação ao mesmo tempo nos traz um inexplicável sentimento de alívio, e de sossego; e um indefinível remorso; e um recôndito despeito.

E que houve momentos perfeitos que passaram, mas não se perderam, porque ficaram em nossa vida; que a lembrança deles nos faz sentir maior a nossa solidão; mas que essa solidão ficou menos infeliz: que importa que uma estrela já esteja morta se ela ainda brilha no fundo de nossa noite e de nosso confuso sonho?

Talvez não mereçamos imaginar que haverá outros verões; se eles vierem, nós os receberemos obedientes como as cigarras e as paineiras — com flores e cantos. O inverno — te lembras — nos maltratou; não havia flores, não havia mar, e fomos sacudidos de um lado para outro como dois bonecos na mão de um titeriteiro inábil.

Ah, talvez valesse a pena dizer que houve um telefonema que não pôde haver; entretanto, é possível que não adiantasse nada. Para que explicações? Esqueçamos as pequenas coisas mortificantes; o silêncio torna tudo menos penoso; lembremos apenas as coisas douradas e digamos apenas a pequena palavra: adeus.

A pequena palavra que se alonga como um canto de cigarra perdido numa tarde de domingo.

Rubem Braga
Extraído do livro "A Traição das Elegantes", Editora Sabiá – Rio de Janeiro, 1967, pág. 83.

Imagens de Minas Gerais, na lente de Fernando Campanella

2009-09-06T11:49:00.004-03:00

Henry David Thoreau

2009-09-04T15:30:00.001-03:00

(...) O sol se põe em algum prado remoto, onde nenhuma casa é visível, com toda a glória e todo o esplendor para brindar as cidades; e talvez como nunca tenha se posto antes, onde apenas um gavião-do-pântano solitário tem suas asas douradas por ele, ou apenas um rato almiscarado espia de sua cabana, e existe um pequeno riacho de veios negros no meio do banhado, apenas começando a serpentear, contornando lentamente um toco de árvore em decomposição. Caminhamos numa luz tão pura e tão brilhante, dourando a grama e as folhas murchas, tão suave e serenamente brilhantes, que pensei que nunca havia me banhado numa torrente tão dourada, sem um marulho ou murmúrio. O lado oeste de cada bosque e terreno luzia como a fronteira do Elísio; e o sol em nossas costas parecia como um gentil pastor nos levando para casa ao cair da tarde.
E assim caminharemos em direção à Terra Santa, até que um dia o sol reluzirá com mais brilho do que nunca, reluzirá em nossas mentes e corações e acenderá todas as nossas vidas com um grande clarão do despertar,tão cálido, sereno e dourado como sobre a margem de um rio no outono.

Henry David Thoreau
Excerto de "Caminhando"
Tradução de Roberto Muggiati

Uma cronica de Miguel Andresen de Sousa Tavares

2009-08-24T23:13:00.003-03:00

[...]Antes que a ideia de Deus esmagasse os homens, antes dos autos de fé, das perseguições religiosas da Inquisição e do fundamentalismo islâmico, o Mediterrâneo inventou a arte de viver. Os homens viviam livres dos castigos de Deus e das ameaças dos Profetas: na barca da morte até à outra vida, como acreditavam os egípcios. E os deuses eram, em vida dos homens, apenas a celebração de cada coisa: a caça, a pesca, o vinho, a agricultura, o amor. Os deuses encarnavam a festa e a alegria da vida e não o terror da morte.

Antes da queda de Granada, antes das fogueiras da Inquisição, antes dos massacres da Argélia, o Mediterrâneo ergueu uma civilização fundada na celebração da vida, na beleza de todas as coisas e na tolerância dos que sabem que, seja qual for o Deus que reclame a nossa vida morta, o resto é nosso e pertence-nos – por uma única, breve e intensa passagem. É a isso que chamamos liberdade – a grande herança do mundo do Mediterrâneo.
(...) Sabes, quem não acredita em Deus, acredita nestas coisas, que tem como evidentes. Acredita na eternidade das pedras e não na dos sentimentos; acredita na integridade da água, do vento, das estrelas. Eu acredito na continuidade das coisas que amamos, acredito que para sempre ouviremos o som da água no rio onde tantas vezes mergulhámos a cara, para sempre passaremos pela sombra da árvore onde tantas vezes parámos, para sempre seremos a brisa que entra e passeia pela casa, para sempre deslizaremos através do silêncio das noites quietas em que tantas vezes olhámos o céu e interrogámos o seu sentido. Nisto eu acredito: na veemência destas coisas sem princípio nem fim, na verdade dos sentimentos nunca traídos.

Miguel Sousa Tavares, in 'Não Te Deixarei Morrer, David Crockett '

Glenn Gould

2009-08-20T10:50:00.002-03:00

Glenn Herbert Gould
(25 de setembro de 1932; 4 de Outubro de 1982)

Foi um genial e renomado pianista canadense, conhecido especialmente por suas gravações de Johann Sebastian Bach. Suas gravações das Variações Goldberg são consideradas um marco na música ocidental do século XX. Gould abandonou as apresentações ao vivo em 1964, dedicando-se, desde então, apenas às gravações em estúdio, pelo resto de sua carreira, com um estilo de tocar muito peculiar, muitas vezes excêntrico.
Gould nasceu com o nome de Glenn Gold, em Toronto, Ontario. Sua família era protestante e mudou o seu nome logo após o seu nascimento, temendo que ele fosse confundido com um judeu, com isso, seu nome foi mudado de Gold para Gould para protegê-lo da onda de anti-semitismo que havia tomado o Canadá na década de 1930. Depois de aprender piano com sua mãe, cujo avô era um sobrinho de Edward Grieg, Gould matriculou-se no Royal Conservatory of Music em Toronto, quando tinha apenas 10 anos. Ali, estudou piano com Alberto Guerrero, órgão com Frederick C. Silvester, e teoria musical com Leo Smith.

Há uma teoria segundo a qual Glenn Gould sofria desde a infância de uma forma menor de autismo, a síndrome de Asperger. Ausência de empatia, desinteresse pelas relações humanas, algumas obsessões (como a hipocondria) fazem parte dessa síndrome.

Em 1945, fez sua primeira apresentação pública, tocando órgão, e no ano seguinte a sua primeira aparição com uma orquestra (a Toronto Symphony Orchestra), em uma performance do Concerto no. 4 para piano e orquestra, de Beethoven. Seu primeiro recital público seguiu-se em 1947 e sua primeira apresentação na rádio CBC aconteceu em 1950. Este foi o começo de uma longa associação com o rádio e com as gravações em disco em geral.

Em 1957, em plena era da Guerra Fria, Gould promoveu uma turnê pela União Soviética. Ele foi o primeiro cidadão do continente norte-americano a tocar ali depois da II Guerra Mundial.

No dia 10 de abril de 1964, Gould tocou em sua última apresentação pública, em Los Angeles, Califórnia, e pelo resto de sua vida se concentrou em outros interesses, como as gravações, escritas, transmissão de rádio e televisão, documentários e composição (ainda que tenha, de fato, produzido poucas composições).

Gould morreu em 1982, em Toronto, depois de sofrer um derrame profundo. Está enterrado no cemitério Mount Pleasant, em Toronto.